Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809), compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista. Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.
Biografía esencial
Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de Viena (Austria), y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.
Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante diez años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.
Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".
Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.
Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.
Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.
Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.
31 de marzo de 2007
30 de marzo de 2007
Céline Dion
Céline Marie Claudette Dion es una vocalista canadiense, que ha vendido alrededor de 175 millones de álbumes en todo el mundo, siendo una de las solistas femeninas con más discos vendidos en la historia. Posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual.
Sus inicios
Céline Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una familia católica pobre en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá). Tenía una voz preciosa, que su madre se ocupó de animarla a usar. A los cinco años de edad ya actuaba para cualquiera que quisiera escucharla cantar.
En 1980, cuando tenía 12 años de edad, su hermano Michael grabó un casete con su voz y la llevó a un productor, René Angelil, que creyó tanto en su voz, que hipotecó su casa para ayudar a financiar su carrera. En 1981 publicaron su primer disco en francés (su lengua materna), La Voix du bon Dieu, lo que la convirtió rápidamente en una estrella en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la medalla de oro en el Festival Mundial de la Canción de Tokio (Japón).
Su carrera continuó progresando y, en 1987, produjo el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito. Colaborando con las compositoras suizas Atilla Şereftuğ y Nella Martinetti, Céline Dion fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988, cantando Ne partez pas sans moi. Su victoria en este concurso celebrado en Dublin, Irlanda, el 30 de abril de 1988, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now.
Muchos de los singles de éxito que siguieron durante los diez años posteriores If You Asked Me To, Water from the Moon, y Nothing Broken but My Heart) fueron escritos por Diane Warren, una compositora muy conocida por sus poderosas baladas. Sin embargo, finalmente, Céline Dion mostró su talento como compositora cuando colaboró en la creación de Don’t Save It All for Christmas Day para el álbum de navidad de 1998, These Are Special Times, y Treat Her Like a Lady en su álbum de 1997 Let’s Talk About Love.
A finales de 1993, Céline declaró por primera vez a su público que estaba enamorada de su manager, René Angelil. En la sección de dedicatorias de su tercer álbum en lengua inglesa, The Colour of My Love, Dion se refirió a Angelil como “el color de mi amor”. Finalmente se comprometieron y se casaron en 1994. La boda fue retransmitida por la televisión en Canadá consiguiendo una gran audiencia. La pareja tiene un hijo, René-Charles Angelil, nacido en enero de 2001.
En 1997, My Heart Will Go On —la canción del film Titanic— fue éxito de ventas con millones de copias vendidas y la hizo mundialmente famosa.
En el 2003, Céline Dion apareció en el noveno lugar de la lista Las 22 voces más grandes de MTV, que fue hecha por la votación del público por la conmemoración de los veinte años de MTV, donde escogieron los mejores vocalistas que aparecieron por MTV.
En el 2004 también apareció en el cuarto lugar de la lista “The 100 Outstanding Pop Vocalists” (los 100 vocalistas pop más importantes) de la revista Cove Magazing, debajo de Mariah Carey, Michael Jackson y Christina Aguilera.
Actualmente se considera que posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual, al igual que Christina Aguilera, Sarah Brightman, Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras.
Registro vocal
Céline Dion es mezzosoprano y su registro vocal es de dos octavas y una séptima:
* en el agudo: sib5 (a los 4 min. 5 s de la canción Nadie lo entiende, con Café Quijano)
* en el grave: re3 (a los 22 segundos de Nadie lo entiende y en la última nota (casi inaudible, por lo grave) de la escala descendente final de Let You Heart Decide (a los 2 min. 41 s).
Sus inicios
Céline Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una familia católica pobre en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá). Tenía una voz preciosa, que su madre se ocupó de animarla a usar. A los cinco años de edad ya actuaba para cualquiera que quisiera escucharla cantar.
En 1980, cuando tenía 12 años de edad, su hermano Michael grabó un casete con su voz y la llevó a un productor, René Angelil, que creyó tanto en su voz, que hipotecó su casa para ayudar a financiar su carrera. En 1981 publicaron su primer disco en francés (su lengua materna), La Voix du bon Dieu, lo que la convirtió rápidamente en una estrella en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la medalla de oro en el Festival Mundial de la Canción de Tokio (Japón).
Su carrera continuó progresando y, en 1987, produjo el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito. Colaborando con las compositoras suizas Atilla Şereftuğ y Nella Martinetti, Céline Dion fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988, cantando Ne partez pas sans moi. Su victoria en este concurso celebrado en Dublin, Irlanda, el 30 de abril de 1988, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now.
Muchos de los singles de éxito que siguieron durante los diez años posteriores If You Asked Me To, Water from the Moon, y Nothing Broken but My Heart) fueron escritos por Diane Warren, una compositora muy conocida por sus poderosas baladas. Sin embargo, finalmente, Céline Dion mostró su talento como compositora cuando colaboró en la creación de Don’t Save It All for Christmas Day para el álbum de navidad de 1998, These Are Special Times, y Treat Her Like a Lady en su álbum de 1997 Let’s Talk About Love.
A finales de 1993, Céline declaró por primera vez a su público que estaba enamorada de su manager, René Angelil. En la sección de dedicatorias de su tercer álbum en lengua inglesa, The Colour of My Love, Dion se refirió a Angelil como “el color de mi amor”. Finalmente se comprometieron y se casaron en 1994. La boda fue retransmitida por la televisión en Canadá consiguiendo una gran audiencia. La pareja tiene un hijo, René-Charles Angelil, nacido en enero de 2001.
En 1997, My Heart Will Go On —la canción del film Titanic— fue éxito de ventas con millones de copias vendidas y la hizo mundialmente famosa.
En el 2003, Céline Dion apareció en el noveno lugar de la lista Las 22 voces más grandes de MTV, que fue hecha por la votación del público por la conmemoración de los veinte años de MTV, donde escogieron los mejores vocalistas que aparecieron por MTV.
En el 2004 también apareció en el cuarto lugar de la lista “The 100 Outstanding Pop Vocalists” (los 100 vocalistas pop más importantes) de la revista Cove Magazing, debajo de Mariah Carey, Michael Jackson y Christina Aguilera.
Actualmente se considera que posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual, al igual que Christina Aguilera, Sarah Brightman, Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras.
Registro vocal
Céline Dion es mezzosoprano y su registro vocal es de dos octavas y una séptima:
* en el agudo: sib5 (a los 4 min. 5 s de la canción Nadie lo entiende, con Café Quijano)
* en el grave: re3 (a los 22 segundos de Nadie lo entiende y en la última nota (casi inaudible, por lo grave) de la escala descendente final de Let You Heart Decide (a los 2 min. 41 s).
27 de marzo de 2007
Historia de la Opera: Ópera Barroca
La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oido. Se difundió por toda Europa pero su trayectoria triunfal fue seguida por dos siglos de abandono, tiempo durante el cual fue denigrada por pasada de moda sin la menor esperanza, falta de dramatismo, pomposa y vacía. El auge de la musicología a fines del siglo XIX trajo consigo la exhumación de una obra tras otra y pasado el recodo del siglo la escuela neobarroca, en reacción contra el drama musical wagneriano, sacó provecho de ello. El nombre de Monteverdi resonó una vez más después de muchos años; tras la primera gran guerra, las obras de Haendel volvieron a la escena por vez primera en Göttingen. Había mucho que resucitar, aparentemente como vía de escape de la emotividad del romanticismo tardío, pero un exponente del decorativo estilo vocal barroco, en verdad la estrella de la ópera barroca, había desaparecido sin remedio: el castrato, el varón mutilado que fue la creación extravagante y víctima del bel canto.
Poco antes de que se desencadenara la epidemia operística, la ópera cómica, que ya en fecha tan temprana como 1639 había recibido el nombre de "commedia", fue "inventada" en Roma. La gente común plantó en el escenario musical, junto con figuras tomadas de la commedia dell'arte, la música de Mazzochi y Marazzoli con texto del cardenal Giulio Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX. La ópera se titulaba Chi soffre speri. Era de estilo realista, pues la realidad es la piedra de toque de la comedia. Se imponía la verosimilitud, que conducía al tratamiento psicológico de los personajes, que dejaban de ser rígidas figuras estereotipadas. La opera buffa aportó al teatro musical una mirada instrospectiva en la naturaleza humana, con sus debilidades, frustraciones y conflictos.
La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco" -así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos- en tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales, normalmente en una forma "da capo" (ABA). En su riqueza de coloratura, en su capacidad para conmover y su belleza, estas arias tenían un brillo artificial y una tendencia intrínseca hacia el manierismo. La armonía estaba concebida mucho más verticalmente que en la era polifónica del Renacimiento. La partitura consistía fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; de los clavecinistas y de los tañadores de instrumentos pulsados se esperaba que improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del bajo; de aquí el bajo continuo. La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerda que en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal. La ejecución era dirigida desde el clave, a menudo por el propio compositor.
La primera ópera en alemán fue representada en 1627 en el castillo de Hartenfels, cerca de Torgau; fue Daphne, con versos del poeta lírico Martin Opitz y música de Heinrich Schütz, el más destacado compositor barroco alemán anterior a Bach y Haendel. El libreto se ha conservado pero la partitura se ha perdido, como las de las demás óperas de Schütz. Casi todas las óperas de la época se representaron ligadas a celebraciones cortesanas, en particular bodas principescas. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el mayor efectismo. Los emperadores y los reyes, por no mencionar a los príncipes, eran reflejados en la panoplia de la ópera, sus virtudes eran exaltadas y se mostraba su magnificencia. Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la grand opéra francesa. En Versalles la grandeur del rey llegó a su cúspide. Se introdujo el ballet, en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito. La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670), que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente cómica.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux, el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos, influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.
La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cronwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare. Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones, coros y bailes. Su única ópera propiamente dicha, Dido and Aeneas, representada en 1689 en un pensionado para señoritas regentado por un maestro de baile en Chelsea, se aparta de esas semióperas y mascaradas. Ópera de cámara, con cuarenta y cuatro números, escrita para un corto número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el desdichado amor entre la reina de cartago y el héroe troyano. Los breves y melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un baluarte del bel canto. Confiando en la capacidad de atracción de las estrellas del canto, los empresarios privados tuvieron un éxito desigual al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el continente. Uno de ellos fue Georg Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad sajona de Halle en 1685, el mismo año de Johann Sebastian Bach, y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759. Hijo de un cirujano, tenía veinte años cuando alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Llegó a Londres desde Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera para el teatro que dirigía. La obra final de Haendel es un puente entre el barroco tardío y el rococó; Serse (Jerjes, 1738) se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y comedia. Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental. Se apoya invariablemente en el vigor melódico del aria da capo y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices, con solo obligatos característicos. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas (como el célebre "Largo" de Serse) son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido. En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional. Las óperas de haendel quedaron olvidadas durante casi doscientos años, pero sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con Messiah, eran óperas irrepresentables adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género.
El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que andaban enredados primadonnas and castratos, los decorados ostentosos y el público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla. Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch, un inmigrante de Berlín. Esta ingeniosa obra fue redescubierta en 1920; en 1928 proporcionó el modelo para la Dreigroschenoper de Bertold Brecht y Kurt Weill.
Poco antes de que se desencadenara la epidemia operística, la ópera cómica, que ya en fecha tan temprana como 1639 había recibido el nombre de "commedia", fue "inventada" en Roma. La gente común plantó en el escenario musical, junto con figuras tomadas de la commedia dell'arte, la música de Mazzochi y Marazzoli con texto del cardenal Giulio Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX. La ópera se titulaba Chi soffre speri. Era de estilo realista, pues la realidad es la piedra de toque de la comedia. Se imponía la verosimilitud, que conducía al tratamiento psicológico de los personajes, que dejaban de ser rígidas figuras estereotipadas. La opera buffa aportó al teatro musical una mirada instrospectiva en la naturaleza humana, con sus debilidades, frustraciones y conflictos.
La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco" -así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos- en tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales, normalmente en una forma "da capo" (ABA). En su riqueza de coloratura, en su capacidad para conmover y su belleza, estas arias tenían un brillo artificial y una tendencia intrínseca hacia el manierismo. La armonía estaba concebida mucho más verticalmente que en la era polifónica del Renacimiento. La partitura consistía fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; de los clavecinistas y de los tañadores de instrumentos pulsados se esperaba que improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del bajo; de aquí el bajo continuo. La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerda que en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal. La ejecución era dirigida desde el clave, a menudo por el propio compositor.
La primera ópera en alemán fue representada en 1627 en el castillo de Hartenfels, cerca de Torgau; fue Daphne, con versos del poeta lírico Martin Opitz y música de Heinrich Schütz, el más destacado compositor barroco alemán anterior a Bach y Haendel. El libreto se ha conservado pero la partitura se ha perdido, como las de las demás óperas de Schütz. Casi todas las óperas de la época se representaron ligadas a celebraciones cortesanas, en particular bodas principescas. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el mayor efectismo. Los emperadores y los reyes, por no mencionar a los príncipes, eran reflejados en la panoplia de la ópera, sus virtudes eran exaltadas y se mostraba su magnificencia. Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la grand opéra francesa. En Versalles la grandeur del rey llegó a su cúspide. Se introdujo el ballet, en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito. La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670), que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente cómica.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux, el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos, influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.
La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cronwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare. Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones, coros y bailes. Su única ópera propiamente dicha, Dido and Aeneas, representada en 1689 en un pensionado para señoritas regentado por un maestro de baile en Chelsea, se aparta de esas semióperas y mascaradas. Ópera de cámara, con cuarenta y cuatro números, escrita para un corto número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el desdichado amor entre la reina de cartago y el héroe troyano. Los breves y melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un baluarte del bel canto. Confiando en la capacidad de atracción de las estrellas del canto, los empresarios privados tuvieron un éxito desigual al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el continente. Uno de ellos fue Georg Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad sajona de Halle en 1685, el mismo año de Johann Sebastian Bach, y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759. Hijo de un cirujano, tenía veinte años cuando alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Llegó a Londres desde Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera para el teatro que dirigía. La obra final de Haendel es un puente entre el barroco tardío y el rococó; Serse (Jerjes, 1738) se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y comedia. Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental. Se apoya invariablemente en el vigor melódico del aria da capo y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices, con solo obligatos característicos. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas (como el célebre "Largo" de Serse) son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido. En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional. Las óperas de haendel quedaron olvidadas durante casi doscientos años, pero sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con Messiah, eran óperas irrepresentables adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género.
El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que andaban enredados primadonnas and castratos, los decorados ostentosos y el público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla. Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch, un inmigrante de Berlín. Esta ingeniosa obra fue redescubierta en 1920; en 1928 proporcionó el modelo para la Dreigroschenoper de Bertold Brecht y Kurt Weill.
23 de marzo de 2007
Michael Nyman
Michael Nyman (nacido el 23 de marzo de 1944) es un pianista, musicólogo y compositor minimalista, conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway.
Nyman (que estudió con el académico Thurston Dart, experto en música barroca en el King's College de Londres) se ha inspirado frecuentemente en la música temprana en sus composiciones para los largometrajes de Greenaway: Henry Purcell en El contrato del dibujante y El cocinero, el Ladrón, su Esposa y su Amante,El piano Heinrigh Ignaz Franz von Biber en Zoo (A Zed & Two Noughts), Mozart en Conspiración de mujeres (Drowning by Numbers) y John Dowland en Prospero's Books.
Su popularidad se disparó después de componer la banda sonora de la galardonada película de Jane Campion El piano (1993). El álbum se convirtió en un éxito de ventas de música clásica. La película no fue nominada por la Academia a pesar de haberlo sido por la Academia Británica y para el Globo de Oro. Ha compuesto bandas sonoras para muchos otros filmes, la gran mayoría de ellos obras de autores independientes europeos. Sus pocas incursiones en la composición de bandas sonoras para Hollywood han sido Gattaca, Ravenous (con Damon Albarn) y The End of the Affair.
Las obras más conocidas de Nyman no dirigidas al cine son Noises, Sounds & Sweet Airs (1987) para soprano, alto, tenor y conjunto instrumental (basada en la banda sonora -también de Nyman- de La Princesse de Milan); Ariel Songs (1990) para soprano y banda; MGV (Musique á Grande Vitesse) (1993); conciertos para piano (basado en El Piano), clavicordio, trombón y saxofón; la ópera The Man Who Mistook His Wife for a Hat (1986) (basada en un estudio de Oliver Sacks); así como diversos cuartetos de cuerda.
Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Calro Goldoni titulada Il Campiello. El conjunto estaba compuesto originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón (incluido para conseguir un sonido lo más fuerte posible sin usar amplificación), pero pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos.
Nyman también escribió un trabajo seminal en 1974 sobre música experimental llamado Experimental Music:: Cage and Beyond, que exploraba la influencia de John Cage en los compositores de música clásica europea. También es reconocido por haber sido el primero en aplicar el término "minimalismo" a la música, en un artículo de 1968 en The Spectator sobre el compositor inglés Cornelius Cardew.
Ha grabado música pop, con los Flying Lizards.
Nyman (que estudió con el académico Thurston Dart, experto en música barroca en el King's College de Londres) se ha inspirado frecuentemente en la música temprana en sus composiciones para los largometrajes de Greenaway: Henry Purcell en El contrato del dibujante y El cocinero, el Ladrón, su Esposa y su Amante,El piano Heinrigh Ignaz Franz von Biber en Zoo (A Zed & Two Noughts), Mozart en Conspiración de mujeres (Drowning by Numbers) y John Dowland en Prospero's Books.
Su popularidad se disparó después de componer la banda sonora de la galardonada película de Jane Campion El piano (1993). El álbum se convirtió en un éxito de ventas de música clásica. La película no fue nominada por la Academia a pesar de haberlo sido por la Academia Británica y para el Globo de Oro. Ha compuesto bandas sonoras para muchos otros filmes, la gran mayoría de ellos obras de autores independientes europeos. Sus pocas incursiones en la composición de bandas sonoras para Hollywood han sido Gattaca, Ravenous (con Damon Albarn) y The End of the Affair.
Las obras más conocidas de Nyman no dirigidas al cine son Noises, Sounds & Sweet Airs (1987) para soprano, alto, tenor y conjunto instrumental (basada en la banda sonora -también de Nyman- de La Princesse de Milan); Ariel Songs (1990) para soprano y banda; MGV (Musique á Grande Vitesse) (1993); conciertos para piano (basado en El Piano), clavicordio, trombón y saxofón; la ópera The Man Who Mistook His Wife for a Hat (1986) (basada en un estudio de Oliver Sacks); así como diversos cuartetos de cuerda.
Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Calro Goldoni titulada Il Campiello. El conjunto estaba compuesto originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón (incluido para conseguir un sonido lo más fuerte posible sin usar amplificación), pero pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos.
Nyman también escribió un trabajo seminal en 1974 sobre música experimental llamado Experimental Music:: Cage and Beyond, que exploraba la influencia de John Cage en los compositores de música clásica europea. También es reconocido por haber sido el primero en aplicar el término "minimalismo" a la música, en un artículo de 1968 en The Spectator sobre el compositor inglés Cornelius Cardew.
Ha grabado música pop, con los Flying Lizards.
21 de marzo de 2007
Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música clásica del barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es la fuente de inspiración para los posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandenburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg.
DEBIDO A QUE SE TRATA DE UNO DE LOS MUSICOS MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA, OS RECOMIENDO LA LECTURA DEL ENLACE QUE HE PROPORCIONADO. NO LO REPRODUZCO AQUI POR SER DEMASIADO EXTENSO.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es la fuente de inspiración para los posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandenburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg.
DEBIDO A QUE SE TRATA DE UNO DE LOS MUSICOS MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA, OS RECOMIENDO LA LECTURA DEL ENLACE QUE HE PROPORCIONADO. NO LO REPRODUZCO AQUI POR SER DEMASIADO EXTENSO.
Módest Mussorgski
Módest Petróvich Músorgski (en ruso: Модест Петрович Мусоргский) (1839- 28 de marzo de 1881), fue un compositor ruso.
Es más conocido por su transliteración al inglés: «Modest Mussorgsky».
Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano, que aún se utilizaba en Rusia), en la aldea rusa de Karevo (al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrecheces, a su carácter nervioso unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad por sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Boródin describió a Músorgski como «un brillante oficial en el regimiento de Preobranjensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Módest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.
El pintor ruso Iliá Lefimovich Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente de la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce.
Murió el 28 de marzo de 1881 (16 de marzo, según el calendario juliano), pocos días después de cumplir los 42 años de edad.
Obras
La música vocal de Mussorgsky evita generalmente las líneas melódicas y el fraseo simétrico y tiende a ajustarse lo más estrechamente posible a los acentos del habla normal. Rasgo destacado de las melodías de Mussorgsky es su carácter modal. Ajeno al uso convencional de la armonía, crea nuevas armonías. El realismo, que constituye un rasgo tan destacado de la literatura rusa del siglo XIX, está ejemplificado en Mussorgsky no sólo en el hecho de imitar la palabra hablada, sino en la descripción musical.
Como otros compositores rusos, Mussorgsky construye sus efectos mediante la repetición y acumulación y no por medio de un desarrollo temático.
Su legado musical consta de una treintena de canciones, entre las que sobresalen La habitación de niños (conformada por siete obras que se consideran lo mejor de Músorgski, las cuales desde su estreno le aportaron popularidad a su autor); Cantos y danzas de la muerte; La canción de la pulga (con letra del gran dramaturgo alemán Wolfgang Goethe); ocho composiciones corales; la ópera Borís Godunov; el drama musical Jovánchina (en inglés Khovanshchina), El matrimonio (primer acto), comedia musical; La feria de Sorochinsk; las composiciones orquestales Scherzo en si bemol, Intermezzo, Marcha a la turca, La noche en el Monte Calvo.
Sus dos obras más conocidas en el mundo occidental son la ópera Borís Godunov (basada en episodios de la historia rusa) y su composición para piano Cuadros de una exposición, que posteriormente el compositor francés Maurice Ravel adaptó para orquesta, lo que hizo que tuviera mayor difusión fuera de su país.
Es más conocido por su transliteración al inglés: «Modest Mussorgsky».
Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano, que aún se utilizaba en Rusia), en la aldea rusa de Karevo (al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrecheces, a su carácter nervioso unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad por sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Boródin describió a Músorgski como «un brillante oficial en el regimiento de Preobranjensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Módest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.
El pintor ruso Iliá Lefimovich Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente de la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce.
Murió el 28 de marzo de 1881 (16 de marzo, según el calendario juliano), pocos días después de cumplir los 42 años de edad.
Obras
La música vocal de Mussorgsky evita generalmente las líneas melódicas y el fraseo simétrico y tiende a ajustarse lo más estrechamente posible a los acentos del habla normal. Rasgo destacado de las melodías de Mussorgsky es su carácter modal. Ajeno al uso convencional de la armonía, crea nuevas armonías. El realismo, que constituye un rasgo tan destacado de la literatura rusa del siglo XIX, está ejemplificado en Mussorgsky no sólo en el hecho de imitar la palabra hablada, sino en la descripción musical.
Como otros compositores rusos, Mussorgsky construye sus efectos mediante la repetición y acumulación y no por medio de un desarrollo temático.
Su legado musical consta de una treintena de canciones, entre las que sobresalen La habitación de niños (conformada por siete obras que se consideran lo mejor de Músorgski, las cuales desde su estreno le aportaron popularidad a su autor); Cantos y danzas de la muerte; La canción de la pulga (con letra del gran dramaturgo alemán Wolfgang Goethe); ocho composiciones corales; la ópera Borís Godunov; el drama musical Jovánchina (en inglés Khovanshchina), El matrimonio (primer acto), comedia musical; La feria de Sorochinsk; las composiciones orquestales Scherzo en si bemol, Intermezzo, Marcha a la turca, La noche en el Monte Calvo.
Sus dos obras más conocidas en el mundo occidental son la ópera Borís Godunov (basada en episodios de la historia rusa) y su composición para piano Cuadros de una exposición, que posteriormente el compositor francés Maurice Ravel adaptó para orquesta, lo que hizo que tuviera mayor difusión fuera de su país.
19 de marzo de 2007
Max Reger
Johann Baptist Joseph Maximilian Reger (Brand, 19 de marzo de 1873 - Leipzig, 11 de mayo de 1916) fue un compositor alemán, organista, pianista y profesor.
VIDA
Nacido en Brand, Baviera, Reger estudió música en Múnich y Wiesbaden con Hugo Riemann. En 1901 se instaló en Múnich, donde de dedicó a la enseñanza del órgano y composición, y desde el 1907, trabajó en Leipzig, donde fue director musical de la universidad hasta 1908 y profesor de composición en el Conservatorio Felix Mendelssohn hasta su muerte. Entre sus alumnos hay que destacar a Joseph Haas y a George Szell. También tuvo una intensa actividad como director de orquesta y pianista. Desde 1911 dirigió la orquesta de la Corte de Meiningen hasta que fue disuelta en 1914, momento en que se trasladó a Jena. Murió finalmente de infarto de miocardio en Leipzig.
OBRA
Durante una vida creativa de poco más de 20 años, Reger produjo una gran cantidad de obras en todos los géneros (con la excepción de la ópera), casi siempre usando formas abstractas, aunque muy pocas de ellas son conocidas hoy en día.
Muchas de sus obres son en forma de fuga o variaciones, incluyendo la que probablemente es su obra más popular: Variaciones y Fuga sobre un tema de Mozart (basada en el tema inicial de la Sonata para piano, K. 331 de Wolfgang Amadeus Mozart. También dejó una gran cantidad de obras para órgano, incluyendo la Fantasía y fuga sobre BACH (esta pieza, basada en el Motivo BACH se considera una de las más difíciles del repertorio del instrumento). Se sintió particularmente atraído para la forma fugada durante toda su vida, incluso declarando: "Otros componen Fugas - Jo vivo en ellas.
Fue un firme abanderado de la música absoluta, y se veía a sí mismo como parte de la tradición musical de Ludwig van Beethoven y Johannes Brahms.
Su obra combina a menudo las estructuras clásicas de estos compositores con las harmonías extendidas de Franz Liszt y Richard Wagner y el complejo contrapunto de Johann Sebastian Bach.
Su música para órgano, también influida por Liszt, es hija de esta tradición. De sus obras orquestales, las ricamente elaboradas Variaciones Hiller y las Variaciones Mozart son las más rememoradas; de la música de cámara los ligeramente texturados tríos se han hecho un hueco en el repertorio, junto con algunas obras para instrumentos de cuerda.
Sus últimas obras para piano, o dos pianos, le sitúan como sucesor de Brahms en la tradición musical germánica.
No se puede decir que sus obras fueran revolucionarias, ya que pueden ser consideradas como una consecuencia del desarrollo de las formas clásicas, como la fuga y el bajo continuo. La influencia de este último puede escucharse en las obras de cámara que son profundamente reflexivas y originales.
VIDA
Nacido en Brand, Baviera, Reger estudió música en Múnich y Wiesbaden con Hugo Riemann. En 1901 se instaló en Múnich, donde de dedicó a la enseñanza del órgano y composición, y desde el 1907, trabajó en Leipzig, donde fue director musical de la universidad hasta 1908 y profesor de composición en el Conservatorio Felix Mendelssohn hasta su muerte. Entre sus alumnos hay que destacar a Joseph Haas y a George Szell. También tuvo una intensa actividad como director de orquesta y pianista. Desde 1911 dirigió la orquesta de la Corte de Meiningen hasta que fue disuelta en 1914, momento en que se trasladó a Jena. Murió finalmente de infarto de miocardio en Leipzig.
OBRA
Durante una vida creativa de poco más de 20 años, Reger produjo una gran cantidad de obras en todos los géneros (con la excepción de la ópera), casi siempre usando formas abstractas, aunque muy pocas de ellas son conocidas hoy en día.
Muchas de sus obres son en forma de fuga o variaciones, incluyendo la que probablemente es su obra más popular: Variaciones y Fuga sobre un tema de Mozart (basada en el tema inicial de la Sonata para piano, K. 331 de Wolfgang Amadeus Mozart. También dejó una gran cantidad de obras para órgano, incluyendo la Fantasía y fuga sobre BACH (esta pieza, basada en el Motivo BACH se considera una de las más difíciles del repertorio del instrumento). Se sintió particularmente atraído para la forma fugada durante toda su vida, incluso declarando: "Otros componen Fugas - Jo vivo en ellas.
Fue un firme abanderado de la música absoluta, y se veía a sí mismo como parte de la tradición musical de Ludwig van Beethoven y Johannes Brahms.
Su obra combina a menudo las estructuras clásicas de estos compositores con las harmonías extendidas de Franz Liszt y Richard Wagner y el complejo contrapunto de Johann Sebastian Bach.
Su música para órgano, también influida por Liszt, es hija de esta tradición. De sus obras orquestales, las ricamente elaboradas Variaciones Hiller y las Variaciones Mozart son las más rememoradas; de la música de cámara los ligeramente texturados tríos se han hecho un hueco en el repertorio, junto con algunas obras para instrumentos de cuerda.
Sus últimas obras para piano, o dos pianos, le sitúan como sucesor de Brahms en la tradición musical germánica.
No se puede decir que sus obras fueran revolucionarias, ya que pueden ser consideradas como una consecuencia del desarrollo de las formas clásicas, como la fuga y el bajo continuo. La influencia de este último puede escucharse en las obras de cámara que son profundamente reflexivas y originales.
14 de marzo de 2007
Georg Philipp Telemann
Georg Philipp Telemann (14 de marzo de 1681 - 25 de junio de 1767) fue un compositor barroco alemán. Nació en Magdeburgo , actual capital del estado de Sajonia-Anhalt. Su familia no tenía particular interés en la música, ya que se sabe que únicamente un bisabuelo había sido cantor en Halberstadt, pero ningún otro familiar tuvo relación con este arte.
El padre falleció en 1685, dejando a cargo de la viuda la educación del joven Telemann. Contaban con empleo en la iglesia local y constituían una familia de clase media alta. El niño comenzó a descubrir la música a los 10 años de edad, mostrando enseguida talento ya que compuso su primer ópera a los doce años. Sin embargo, este talento no contó con el apoyo de su familia; temiendo que Telemann siguiera una carrera musical, su madre le quitó todos los instrumentos y lo envió en 1693 a una nueva escuela en Zellerfeld, con la esperanza de que este cambio orientara al muchacho hacia una profesión más lucrativa.
La estrategia materna finalmente falló porque el director de la escuela observó el talento musical del nuevo alumno, y permitió que Telemann siguiera componiendo y expandiendo sus conocimientos en forma autodidacta. Para la época en completaba sus estudios en Hildesheim , Telemann había aprendido a tocar casi sin ayuda la flauta dulce , el órgano , violín , viola da gamba, flauta traversa, oboe, chalumeau , y trombòn bajo entre otros instrumentos musicales.Sus viajes le permitieron así mismo conocer nuevos estilos musicales, siendo sus primeras infuencias Johann Rosenmüller y Arcangelo Corelli.
En 1701, Telemann ingresó a la Universidad de Leipzig con el fin de estudiar leyes, posiblemente a pedido de su madre. El nuevo intento no duró más que lo que tardó su talento en ser descubierto, y enseguida le encargaron componer música para las principales iglesias de la ciudad. Al poco tiempo, fundó un Collegium musicum de 40 miembros para dar conciertos de su música. Al año siguiente lo nombran director de la Ópera de Leipzig y cantor de una de sus iglesias. Su creciente fama comienza inquietar al compositor mayor Johann Kuhnau, cuya posición como director musical de la ciudad se ponía en riesgo al ser nombrado Telemann "cantor". Telemann así mismo ocupaba a muchos estudiantes en sus producciones operísticas, restándoles tiempo para participar en la música sacra promovida por Kuhnau.
Finalmente, Kuhnau denunció a Telemann por "músico de ópera" (!), pero aún luego de la partida de este último, no logró recuperar a los intérpretes que había perdido.
Telemann abandonó Leipzig en 1705 para asumir como maestro de capilla en la corte del conde Erdmann II en Sorau[1]. Allí se familiarizó con el estilo francés de Lully y Campra , componiendo varias oberturas y suites en sus dos años en el puesto. Una invasión de Alemania por parte de los suecos obligó a la corte de Erdmann a evacuar el castillo. Se cree que Telemann visitó Paris en 1707 y luego fue nombrado jefe de cantores en la corte de Eisenach, donde conoció a Johann Sebastian Bach. El principal cargo obtenido por Telemann fue su nombramiento en 1721 como director musical de las cinco principales iglesias de Hamburgo , puesto que mantendría el resto de su vida. Allí escribió dos cantatas para cada liturgia dominical, así como otra música sacra para ocasiones especiales , además de enseñar canto y teoría de la música, y dirigir otro collegium musicum, que realizaba uno o dos conciertos por semana. Telemann también dirigió la ópera local durante unos pocos años, pero esto le significó una quiebra financiera.
Cuando el puesto de Kuhnau en Leipzig estuvo vacante, Telemann se presentó como candidato, resultando aprobado por el concejo de la ciudad entre seis postulantes. Sin embargo rechazó el nombramiento, aunque no sin antes usarlo como excusa para obtener un aumento de sueldo en su cargo de Hamburgo. Ante la persistencia de la vacante, el concejo de Leipzig seleccionó a Christoph Graupner, quien tampoco aceptó el nombramiento. Finalmente quien asumió el puesto fue J.S. Bach. Telemann incrementó además sus ingresos en Hamburgo con varios cargos menores en otras cortes, y con la publicación de volúmenes de su propia música.
A partir de 1740 su producción musical comenzó a declinar, y se enfocó más enérgicamente en escribir tratados teóricos. Durante esta época trabajó además con algunos jóvenes compositores, como Franz Beda y su ahijado, C.P.E. Bach.
Luego de la muerte de su hijo mayor Andreas en 1755, Telemann asumió la responsabilidad de criar a su nieto Georg Michael Telemann, iniciando la educación musical de futuro compositor. Muchos de sus oratorios provienen de esta época. En los últimos años su vista comenzó a deteriorarse, y este problema lo llevó a disminuir su actividad a partir de 1762. A pesar de ello, continuó escribiendo hasta su muerte el 25 de junio de 1767.
El libro Guinness de los récords menciona a Telemann como el compositor más prolífico de todos los tiempos, con más de 800 obras acreditadas. Estudios recientes, por ejemplo el catálogo temático de sus obras publicados en la década de 1980, muestra que se conocen más de 3.000 composiciones de su autoría, aunque muchas se han perdido.
Muchas de estas piezas perdidas fueron descubiertas recientemente por musicólogos de relieve como Jason Grant. Muchos de los manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial.
Se discute que Telemann sea el compositor más prolífico, ya que se cree que Simon Sechter, ha escrito más de 8000 piezas.
Telemann fue muy famoso durante su vida, y por muchas décadas después de su muerte. Sin embargo, para principios del Siglo XIX sus obras ya eran interpretadas con menos frecuencia. La última preentación pública de importancia de una de sus orbas, "Der Tod Jesu" [2] hasta ya avanzado el Siglo XX se efectuó en 1832. Adicionalmente, la edición de 1911 de la Enciclopedia británica, que incluye largos artículos sobre Bach y Handel. no menciona a Telemann.
El interés por la obra de Telemann renació a principios del Siglo XX, junto con la recuperación de los instrumentos musicales barrocos y la renovada atención sobre la música de cámara. Actualmente numerosos conjuntos en todo el mundo interpretan su música, que está además disponible en incontables grabaciones.
El padre falleció en 1685, dejando a cargo de la viuda la educación del joven Telemann. Contaban con empleo en la iglesia local y constituían una familia de clase media alta. El niño comenzó a descubrir la música a los 10 años de edad, mostrando enseguida talento ya que compuso su primer ópera a los doce años. Sin embargo, este talento no contó con el apoyo de su familia; temiendo que Telemann siguiera una carrera musical, su madre le quitó todos los instrumentos y lo envió en 1693 a una nueva escuela en Zellerfeld, con la esperanza de que este cambio orientara al muchacho hacia una profesión más lucrativa.
La estrategia materna finalmente falló porque el director de la escuela observó el talento musical del nuevo alumno, y permitió que Telemann siguiera componiendo y expandiendo sus conocimientos en forma autodidacta. Para la época en completaba sus estudios en Hildesheim , Telemann había aprendido a tocar casi sin ayuda la flauta dulce , el órgano , violín , viola da gamba, flauta traversa, oboe, chalumeau , y trombòn bajo entre otros instrumentos musicales.Sus viajes le permitieron así mismo conocer nuevos estilos musicales, siendo sus primeras infuencias Johann Rosenmüller y Arcangelo Corelli.
En 1701, Telemann ingresó a la Universidad de Leipzig con el fin de estudiar leyes, posiblemente a pedido de su madre. El nuevo intento no duró más que lo que tardó su talento en ser descubierto, y enseguida le encargaron componer música para las principales iglesias de la ciudad. Al poco tiempo, fundó un Collegium musicum de 40 miembros para dar conciertos de su música. Al año siguiente lo nombran director de la Ópera de Leipzig y cantor de una de sus iglesias. Su creciente fama comienza inquietar al compositor mayor Johann Kuhnau, cuya posición como director musical de la ciudad se ponía en riesgo al ser nombrado Telemann "cantor". Telemann así mismo ocupaba a muchos estudiantes en sus producciones operísticas, restándoles tiempo para participar en la música sacra promovida por Kuhnau.
Finalmente, Kuhnau denunció a Telemann por "músico de ópera" (!), pero aún luego de la partida de este último, no logró recuperar a los intérpretes que había perdido.
Telemann abandonó Leipzig en 1705 para asumir como maestro de capilla en la corte del conde Erdmann II en Sorau[1]. Allí se familiarizó con el estilo francés de Lully y Campra , componiendo varias oberturas y suites en sus dos años en el puesto. Una invasión de Alemania por parte de los suecos obligó a la corte de Erdmann a evacuar el castillo. Se cree que Telemann visitó Paris en 1707 y luego fue nombrado jefe de cantores en la corte de Eisenach, donde conoció a Johann Sebastian Bach. El principal cargo obtenido por Telemann fue su nombramiento en 1721 como director musical de las cinco principales iglesias de Hamburgo , puesto que mantendría el resto de su vida. Allí escribió dos cantatas para cada liturgia dominical, así como otra música sacra para ocasiones especiales , además de enseñar canto y teoría de la música, y dirigir otro collegium musicum, que realizaba uno o dos conciertos por semana. Telemann también dirigió la ópera local durante unos pocos años, pero esto le significó una quiebra financiera.
Cuando el puesto de Kuhnau en Leipzig estuvo vacante, Telemann se presentó como candidato, resultando aprobado por el concejo de la ciudad entre seis postulantes. Sin embargo rechazó el nombramiento, aunque no sin antes usarlo como excusa para obtener un aumento de sueldo en su cargo de Hamburgo. Ante la persistencia de la vacante, el concejo de Leipzig seleccionó a Christoph Graupner, quien tampoco aceptó el nombramiento. Finalmente quien asumió el puesto fue J.S. Bach. Telemann incrementó además sus ingresos en Hamburgo con varios cargos menores en otras cortes, y con la publicación de volúmenes de su propia música.
A partir de 1740 su producción musical comenzó a declinar, y se enfocó más enérgicamente en escribir tratados teóricos. Durante esta época trabajó además con algunos jóvenes compositores, como Franz Beda y su ahijado, C.P.E. Bach.
Luego de la muerte de su hijo mayor Andreas en 1755, Telemann asumió la responsabilidad de criar a su nieto Georg Michael Telemann, iniciando la educación musical de futuro compositor. Muchos de sus oratorios provienen de esta época. En los últimos años su vista comenzó a deteriorarse, y este problema lo llevó a disminuir su actividad a partir de 1762. A pesar de ello, continuó escribiendo hasta su muerte el 25 de junio de 1767.
El libro Guinness de los récords menciona a Telemann como el compositor más prolífico de todos los tiempos, con más de 800 obras acreditadas. Estudios recientes, por ejemplo el catálogo temático de sus obras publicados en la década de 1980, muestra que se conocen más de 3.000 composiciones de su autoría, aunque muchas se han perdido.
Muchas de estas piezas perdidas fueron descubiertas recientemente por musicólogos de relieve como Jason Grant. Muchos de los manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial.
Se discute que Telemann sea el compositor más prolífico, ya que se cree que Simon Sechter, ha escrito más de 8000 piezas.
Telemann fue muy famoso durante su vida, y por muchas décadas después de su muerte. Sin embargo, para principios del Siglo XIX sus obras ya eran interpretadas con menos frecuencia. La última preentación pública de importancia de una de sus orbas, "Der Tod Jesu" [2] hasta ya avanzado el Siglo XX se efectuó en 1832. Adicionalmente, la edición de 1911 de la Enciclopedia británica, que incluye largos artículos sobre Bach y Handel. no menciona a Telemann.
El interés por la obra de Telemann renació a principios del Siglo XX, junto con la recuperación de los instrumentos musicales barrocos y la renovada atención sobre la música de cámara. Actualmente numerosos conjuntos en todo el mundo interpretan su música, que está además disponible en incontables grabaciones.
12 de marzo de 2007
Steve Harris
Stephen Percy Harris, nacido el 12 de marzo de 1957 en Leytonstone, Londres, Inglaterra, es el fundador, bajista y compositor principal del grupo británico de heavy metal Iron Maiden. Fundó la banda cuando era sólo un adolescente en 1975. Es el único miembro original de la banda que todavía permanece, treinta años después (aunque Dave Murray ha participado en la grabación de todos los discos).
Solía trabajar como delineante de arquitectura en la zona del East London, pero lo dejó para formar Iron Maiden. A mediados de los setenta era un joven futbolista del West Ham United. Es un buen jugador, por lo que muchos de sus compañeros de la banda afirman que si no tocase el bajo se dedicaría sin duda al fútbol profesional.
Bajista autodidacta, su primer bajo (una copia de un Fender Precision Bass) lo obtuvo con 17 años por el precio de 40 libras esterlinas. Continuó utilizando un modelo "Unicorn" de la firma Lado y un Fender Precision con cuerdas RotoSound de finales de los cincuenta. Ahora usa sus propias cuerdas RotoSound flatwound. Es sorprendente ya que este tipo de cuerdas no dan un sonido rechinante y claro. De hecho, el ruido metálico se produce al rebotar las cuerdas sobre los trastes, dando el peculiar estilo de Steve Harris.
Ha sido influenciado por otros bajistas como Chris Squire de Yes, John Deacon de Queen, Geezer Butler de Black Sabbath o John Entwistle de The Who, entre otros; pero uno de los bajistas preferidos de siempre por Steve Harris, fue Pete Way, de UFO, de quien se ha dicho que ha influido fuertemente el estilo de ejecución de Harris.
Sus anteriores bandas antes de crear la suya propia fueron Gypsy's Kiss y posteriormente Smiler, banda en la que era mucho más joven que el resto de miembros. Aunque ninguna de las dos sacó discos al mercado siendo Harris el bajista. El nombre de Iron Maiden lo sacó al ver un instrumento de tortura llamado así en la película "El Hombre de la Máscara de Hierro".
Su estilo tocando es muy amplio y variado: desde sus famosos galopes alternando los dedos índice y corazón, hasta la ejecución de powerchords, dependiendo de la canción y del ritmo que le quiera imprimir. Ha asegurado que nunca ha usado púa para tocar y que nunca realiza ejercicios de calentamiento antes de tocar. A la hora de escribir las letras toma como fuente de inspiración la Historia, la mitología o películas.
En resumen, considerado como el guía de la banda, es indudable que Iron Maiden ha llegado hasta lo más alto del panorama del rock internacional gracias a su duro trabajo y a su determinación para llevar a cabo su sueño de éxito musical.
Solía trabajar como delineante de arquitectura en la zona del East London, pero lo dejó para formar Iron Maiden. A mediados de los setenta era un joven futbolista del West Ham United. Es un buen jugador, por lo que muchos de sus compañeros de la banda afirman que si no tocase el bajo se dedicaría sin duda al fútbol profesional.
Bajista autodidacta, su primer bajo (una copia de un Fender Precision Bass) lo obtuvo con 17 años por el precio de 40 libras esterlinas. Continuó utilizando un modelo "Unicorn" de la firma Lado y un Fender Precision con cuerdas RotoSound de finales de los cincuenta. Ahora usa sus propias cuerdas RotoSound flatwound. Es sorprendente ya que este tipo de cuerdas no dan un sonido rechinante y claro. De hecho, el ruido metálico se produce al rebotar las cuerdas sobre los trastes, dando el peculiar estilo de Steve Harris.
Ha sido influenciado por otros bajistas como Chris Squire de Yes, John Deacon de Queen, Geezer Butler de Black Sabbath o John Entwistle de The Who, entre otros; pero uno de los bajistas preferidos de siempre por Steve Harris, fue Pete Way, de UFO, de quien se ha dicho que ha influido fuertemente el estilo de ejecución de Harris.
Sus anteriores bandas antes de crear la suya propia fueron Gypsy's Kiss y posteriormente Smiler, banda en la que era mucho más joven que el resto de miembros. Aunque ninguna de las dos sacó discos al mercado siendo Harris el bajista. El nombre de Iron Maiden lo sacó al ver un instrumento de tortura llamado así en la película "El Hombre de la Máscara de Hierro".
Su estilo tocando es muy amplio y variado: desde sus famosos galopes alternando los dedos índice y corazón, hasta la ejecución de powerchords, dependiendo de la canción y del ritmo que le quiera imprimir. Ha asegurado que nunca ha usado púa para tocar y que nunca realiza ejercicios de calentamiento antes de tocar. A la hora de escribir las letras toma como fuente de inspiración la Historia, la mitología o películas.
En resumen, considerado como el guía de la banda, es indudable que Iron Maiden ha llegado hasta lo más alto del panorama del rock internacional gracias a su duro trabajo y a su determinación para llevar a cabo su sueño de éxito musical.
10 de marzo de 2007
Estreno de "Nabucco", de Verdi, en La Scala de Milán
Nabucco es una ópera en cuatro actos con música del compositor Giuseppe Verdi y libreto de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor de Francis Cornue y Anicète Bourgeois. Fue estrenada el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán, fue compuesta en un período particularmente difícil de la vida del compositor. Su esposa y dos pequeños hijos habían muerto poco tiempo antes y Verdi había prácticamente decidido no volver a componer. El libreto de Nabucco llegó a sus manos casi de casualidad. La composición emprendida casi a regañadientes dio como resultado una obra que cautivó a toda Italia. En el estreno, el papel de Abigail fue interpretado por Giuseppina Strepponi, quien se convertiría en compañera sentimental y luego esposa de Verdi.
Esta ópera fue el primer éxito importante del compositor y con ella se inician los llamados años de galera, en los que compuso a un ritmo frenético, produciendo diecisiete óperas en doce años. El éxito se debe en parte a las cualidades musicales de la obra y en parte a la asociación que hacía el público entre la historia del pueblo israelí y las ambiciones nacionalistas de la época. Uno de los símbolos que utilizó, y quizás sigue utilizando, el pueblo para reforzar el ideal independentista fue el coro Va, pensiero, del tercer acto. Este coro de esclavos hebreos es, sin dudas, el número más popular de la ópera. En su época, los italianos lo asimilaron como un canto contra la opresión extranjera en que vivían. El éxito de la ópera perdura hasta estos días. Es grabada y presentada en los teatros de ópera con cierta frecuencia.
Esta ópera fue el primer éxito importante del compositor y con ella se inician los llamados años de galera, en los que compuso a un ritmo frenético, produciendo diecisiete óperas en doce años. El éxito se debe en parte a las cualidades musicales de la obra y en parte a la asociación que hacía el público entre la historia del pueblo israelí y las ambiciones nacionalistas de la época. Uno de los símbolos que utilizó, y quizás sigue utilizando, el pueblo para reforzar el ideal independentista fue el coro Va, pensiero, del tercer acto. Este coro de esclavos hebreos es, sin dudas, el número más popular de la ópera. En su época, los italianos lo asimilaron como un canto contra la opresión extranjera en que vivían. El éxito de la ópera perdura hasta estos días. Es grabada y presentada en los teatros de ópera con cierta frecuencia.
8 de marzo de 2007
Ruggero Leoncavallo
Ruggero Leoncavallo (* Nápoles, 8 de marzo de 1857 - † Montecatini, 9 de agosto de 1919) fue un compositor italiano, uno de los principales exponentes del verismo (realismo) en la ópera como reacción frente al romanticismo dominante de su época.
Nació en Nápoles, hijo de un oficial de policía napolitano, y estudió en el conservatorio de esta ciudad, donde entró a los 9 años. Cursó composición con Lauro Rossi. Carente de recursos, llevó una vida azarosa hasta que influido por la ópera Cavalleria Rusticana del compositor italiano Pietro Mascagni, escribió la ópera Pagliacci, que obtuvo un gran éxito. Desde que se estrenó en Milán, Italia, en 1892 no ha disminuido su popularidad. Otras dos óperas suyas, La Bohème (1897) y Zaza (1900) consiguieron un éxito relativo, pero el gran proyecto de su vida era componer una trilogía renacentista. Se llamaría Crepusculum; sólo se estrenó la primera parte, Il Medici (1893), que no tuvo gran éxito. Leoncavallo murió a los 61 años, contrariado por no haber podido repetir el éxito de Pagliacci. Es el autor de la conocida canción "Mattinata".
I Pagliacci (Los payasos) es una ópera con libreto y música de Ruggiero Leoncavallo, estrenada el 21 de mayo de 1892 en el Teatro Dal Verne de Milán. Comúnmente es representada y grabada junto con Cavalleria Rusticana, de Mascagni; siendo ambas las óperas más representativas del estilo verista.
Los personajes son: Nedda (soprano), Tonio (barítono), Canio (tenor), Beppe (tenor), Silvio (bartiono) y dos aldeanos (barítono y tenor).
El aria vesti la giubba, literalmente "viste la túnica, el traje de payaso" (vendría a decir "caracterizaté"; desempeña el papel de payaso y ríe y haz reir aunque llores interiormente)es una de las más famosas en el teatro. Las tres últimas líneas son especialmente reconocibles:
"Ridi, Paglaccio, sul tuo amore infranto! Ridi del duol, che t'avvelina il cor!"
("¡Ríe, Payaso, sobre tu amor despedazado! ¡Ríe del dolor que envenena el corazón!")
El esquema de la obra es:
* Prologo
* Obertura
* Acto I
* Intermezzo
* Acto II
Nació en Nápoles, hijo de un oficial de policía napolitano, y estudió en el conservatorio de esta ciudad, donde entró a los 9 años. Cursó composición con Lauro Rossi. Carente de recursos, llevó una vida azarosa hasta que influido por la ópera Cavalleria Rusticana del compositor italiano Pietro Mascagni, escribió la ópera Pagliacci, que obtuvo un gran éxito. Desde que se estrenó en Milán, Italia, en 1892 no ha disminuido su popularidad. Otras dos óperas suyas, La Bohème (1897) y Zaza (1900) consiguieron un éxito relativo, pero el gran proyecto de su vida era componer una trilogía renacentista. Se llamaría Crepusculum; sólo se estrenó la primera parte, Il Medici (1893), que no tuvo gran éxito. Leoncavallo murió a los 61 años, contrariado por no haber podido repetir el éxito de Pagliacci. Es el autor de la conocida canción "Mattinata".
I Pagliacci (Los payasos) es una ópera con libreto y música de Ruggiero Leoncavallo, estrenada el 21 de mayo de 1892 en el Teatro Dal Verne de Milán. Comúnmente es representada y grabada junto con Cavalleria Rusticana, de Mascagni; siendo ambas las óperas más representativas del estilo verista.
Los personajes son: Nedda (soprano), Tonio (barítono), Canio (tenor), Beppe (tenor), Silvio (bartiono) y dos aldeanos (barítono y tenor).
El aria vesti la giubba, literalmente "viste la túnica, el traje de payaso" (vendría a decir "caracterizaté"; desempeña el papel de payaso y ríe y haz reir aunque llores interiormente)es una de las más famosas en el teatro. Las tres últimas líneas son especialmente reconocibles:
"Ridi, Paglaccio, sul tuo amore infranto! Ridi del duol, che t'avvelina il cor!"
("¡Ríe, Payaso, sobre tu amor despedazado! ¡Ríe del dolor que envenena el corazón!")
El esquema de la obra es:
* Prologo
* Obertura
* Acto I
* Intermezzo
* Acto II
7 de marzo de 2007
Maurice Ravel
Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Pirineos Atlánticos, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada con el impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y a a veces rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar los « los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón » (Le Robert). Autor del famosísimo Bolero, es uno de los músicos más interpretados en todo el mundo.
El Bolero (1928) del compositor francés Maurice Ravel es una obra para orquesta inspirada en una danza española y dedicada por el compositor a la bailarina Ida Rubinstein. Es una de las obras más conocidas de la música clasica. Se caracteriza por su ritmo obsesivo y por su melodía en do mayor repetida una y otra vez sin otra modificación que en la instrumentación, lo que la hace un singular y un brillante estudio de orquestación. Sólo al final hay una modulación a mi mayor y una coda estruendosa.
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Maurice_Ravel
El Bolero (1928) del compositor francés Maurice Ravel es una obra para orquesta inspirada en una danza española y dedicada por el compositor a la bailarina Ida Rubinstein. Es una de las obras más conocidas de la música clasica. Se caracteriza por su ritmo obsesivo y por su melodía en do mayor repetida una y otra vez sin otra modificación que en la instrumentación, lo que la hace un singular y un brillante estudio de orquestación. Sólo al final hay una modulación a mi mayor y una coda estruendosa.
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Maurice_Ravel
6 de marzo de 2007
Bienvenidos, queridas y queridos amantes de la música
Bienvenidos a este bucólico rincón de internet, donde nos dedicaremos a hablar de la más grande de las artes: la música.
La idea principal es poner cada día una noticia histórica que haya sucedido en años anteriores. El nacimiento de un compositor, el debut de un cantante, la creación de una obra, el surgimiento de un estilo de música... cualquier excusa es buena.
En días posteriores intentaré planificar mejor la organización de este blog e ir creando diferentes secciones. Espero que me ayudéis en el intento.
Sin más, me despido atentamente.
Víctor B.
La idea principal es poner cada día una noticia histórica que haya sucedido en años anteriores. El nacimiento de un compositor, el debut de un cantante, la creación de una obra, el surgimiento de un estilo de música... cualquier excusa es buena.
En días posteriores intentaré planificar mejor la organización de este blog e ir creando diferentes secciones. Espero que me ayudéis en el intento.
Sin más, me despido atentamente.
Víctor B.
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