El violonchelista y director de orquesta ruso Mstislav Rostropóvich ha muerto este viernes en un hospital de Moscú a la edad de 80 años, según ha informado su portavoz, Natalia Dolezhal. El músico –premio Príncipe de Asturias de la Concordia de 1997 y viejo amigo de la Familia Real, sobre todo de Doña Sofía– era considerado el mejor violonchelista de su generación y había sido ingresado el pasado 12 de abril en el Centro Oncológico de la capital rusa, donde fue sometido a una intervención quirúrgica de urgencia. En 1974 tuvo que abandonar la Unión Soviética al serle retirada su nacionalidad tras defender públicamente a un escritor contrario al régimen comunista soviético.
Tras ser intervenido, los médicos –citados por el diario Komsomolskaya Pravda– señalaron que "la operación era inminente, pues, sobre el trasfondo de la grave enfermedad, al maestro le han surgido serios problemas del hígado y el intestino".
Para llevar a cabo la intervención fue invitado el médico alemán Hans Schmoll, quien desde el aeropuerto acudió directamente al concilio de expertos, donde acordó con sus colegas rusos que el paciente debía ser operado con urgencia. Los médicos coincidieron entonces en señalar que la operación fue un éxito pero, no obstante, Rostropóvich superaba con mucha dificultad la nueva intervención. "Está tan débil que los médicos se niegan categóricamente a hacer pronósticos", añadió entonces el rotativo.
Era ya la segunda hospitalización en tres meses a la que se sometía el gran músico. La primera se produjo después de que se sintiera mal en diciembre pasado y fue dado de alta el 6 de marzo, en vísperas de su octogésimo cumpleaños.
Con motivo de sus 80 años, Rostropóvich fue condecorado por el presidente ruso, Vladímir Putin, con la Orden al Mérito "por su contribución al desarrollo de las artes musicales en todo el mundo y sus muchos años de actividad creativa". Entre sus numerosos galardones también figuran la Legión de Honor de Francia, los premios soviéticos Stalin y Lenin, el reconocimiento anual de la Liga para los Derechos Civiles, Caballero Honorario del Imperio Británico.
Rostropóvich es considerado un defensor de las libertades civiles y artísticas, como cuando acogió durante cuatro años en su domicilio al escritor disidente soviético Alexander Solzhenitsin, posteriormente premio Nobel de Literatura en 1975.
Rostropóvich: Una larga y calurosa amistad con España y la Familia Real
Habitual de los auditorios y festivales españoles, y viejo amigo de la Familia Real, sobre todo de Doña Sofía, el violonchelista Mstislav Rostropóvich, fallecido este viernes a los 80 años, mantuvo una larga y afectuosa relación con España, que vio correspondida con calurosos aplausos y numerosos reconocimientos.
Poseedor de la encomienda de la Orden de Carlos III, una de las más importantes condecoraciones españolas que se otorga a personalidades extranjeras, y Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 1997 –galardón que compartió con el violinista Yehudi Menuhin–, Rostropóvich siembre hablaba de "su querida España", país que conoció todavía bajo el régimen franquista.
"Aún en tiempos de Franco visité muchas veces España, así que he tenido la oportunidad de ver cómo fue cambiando la vida del maravilloso pueblo español, cómo paulatinamente fue quedando atrás la división y cómo España se fue cohesionando bajo las consignas de amistad y fraternidad", afirmaba el músico ruso.
Aunque decía que el chelo se ponía "muy celoso de la batuta", Rostropóvich viajó como instrumentista y director por todos los rincones de España para llevar su música por el Auditorio Nacional de Madrid, el Festival de Perelada o el Palau de la Música de Valencia, que le concedió su primera Medalla en 1997, y que él agradeció, en español y con un emotivo "os quiero".
Entre sus seguidores, la Reina, con quien mantenía una larga amistad desde sus años de juventud como Princesa griega, y que quedó reflejada en numerosa ocasiones. Doña Sofía asistió en Moscú en mayo de 2005 a las bodas de oro del violonchelista y la soprano Galina Vishnevskaya y estuvo muy cerca de él cuando regresó a Rusia en 1990 tras 16 años de exilio, acompañándolo en los conciertos que ofreció en Moscú y San Petersburgo.
Él tampoco faltó en los momentos importantes de la Familia Real, y, por ejemplo, la primera aparición pública del Príncipe de Asturias y su entonces prometida, Letizia Ortiz, tuvo lugar en un concierto en el Teatro Real que Rostropovich ofreció en honor de los Reyes. Entonces, actuó en su doble condición de director de orquesta y violonchelista, algo que sólo ocurría en "ocasiones muy especiales" por el gran esfuerzo que precisaba.
Rostropovich reconocía que los Reyes de España siempre le habían acompañado en los momentos difíciles de su vida. "Cuando me echaron de la Unión Soviética fue la mayor tragedia de mi vida, una tragedia que duró diecisiete años. Ahí estuvieron los Reyes, apoyándome", dijo. Él alababa así a Don Juan Carlos: "posee una sorprendente amplitud de criterios y una gran sabiduría, que le permite conjugar la sencillez en la comunicación con un gran sentido de la dignidad y la responsabilidad de su alta posición".
El también violinista tenía amistad con otras personalidades españolas, entre ellas, la presidenta de la Fundación Albéniz, Paloma O'Shea, con quien colaboró en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. "Estoy feliz, inmensamente feliz", declaró en conversación telefónica con EFE cuando supo el 23 de mayo de 1997 que había sido galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. Ese día se encontraba visitando algunos poblados de las estepas de la frontera con Kazajistán, zona a donde fue evacuado junto con su hermana Verónica durante la Segunda Guerra Mundial y donde actuaba en los hospitales ante los heridos.
Defensor de las libertades humanas y artísticas del mundo, siempre confió en la paz, tal y como reveló en una de sus últimas comparecencias ante los medios de comunicación españoles, en 2005. "Creo en Dios y creo que Dios nos va a ayudar, además estoy convencido de que nos merecemos su ayuda", dijo con rotundidad.
27 de abril de 2007
15 de abril de 2007
Michael Kamen
Michael Kamen (15 de abril de 1948 - 18 de noviembre de 2003), compositor estadounidense (especialmente de bandas sonoras), arreglista, letrista, y músico de sesión.
Kamen nació en la ciudad de Nueva York, y estudió en The New York High School of Music & Art y, más tarde en Juilliard's School for Music Dance and Drama de Nueva York, donde aprendió a tocar el oboe.
Trabajó brevemente con Leonard Bernstein, tras actuar con su grupo de rock en uno de los conciertos para jóvenes de Bernstein.
Cabe destacar sus colaboraciones con Pink Floyd, David Gilmour, Roger Waters (es una de las pocas personas invitadas a trabajar con los dos miembros de Pink Floyd, tras su amarga separación), Eric Clapton, David Bowie, Metallica, Herbie Hancock y Bryan Adams.
Kamen escribió once ballets y es el autor de la música de las películas Brazil, Robin Hood, príncipe de los ladrones, Licencia para matar, Stonewall, X-Men y de las series de películas Arma letal y La jungla de cristal. Fue candidato a dos premios Oscar y ganó tres premios Grammy, dos Globos de oro, dos premios Ivor Novello, un Annie y un Emmy.
En 1990 participó con muchos más invitados en la colosal representación de Roger Waters de The Wall en Berlín.
En 1997 a Kamen se le diagnosticó esclerosis múltiple, pero en 2003 murió de un ataque al corazón.
Kamen nació en la ciudad de Nueva York, y estudió en The New York High School of Music & Art y, más tarde en Juilliard's School for Music Dance and Drama de Nueva York, donde aprendió a tocar el oboe.
Trabajó brevemente con Leonard Bernstein, tras actuar con su grupo de rock en uno de los conciertos para jóvenes de Bernstein.
Cabe destacar sus colaboraciones con Pink Floyd, David Gilmour, Roger Waters (es una de las pocas personas invitadas a trabajar con los dos miembros de Pink Floyd, tras su amarga separación), Eric Clapton, David Bowie, Metallica, Herbie Hancock y Bryan Adams.
Kamen escribió once ballets y es el autor de la música de las películas Brazil, Robin Hood, príncipe de los ladrones, Licencia para matar, Stonewall, X-Men y de las series de películas Arma letal y La jungla de cristal. Fue candidato a dos premios Oscar y ganó tres premios Grammy, dos Globos de oro, dos premios Ivor Novello, un Annie y un Emmy.
En 1990 participó con muchos más invitados en la colosal representación de Roger Waters de The Wall en Berlín.
En 1997 a Kamen se le diagnosticó esclerosis múltiple, pero en 2003 murió de un ataque al corazón.
12 de abril de 2007
Montserrat Caballé
Maria de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folc (Barcelona, 12 de abril de 1933) es una cantante de ópera española. Es reconocida por su técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio bel cantístico. Es una de las más admiradas cantantes de opera de todo el mundo.
Biografía
Estudia 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.
Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.
Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.
Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Ópera del Metropolitan con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972, debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.
En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
En 1986 interpretó un pequeño papel en la película Romanza final (Gayarre) dirigida por José María Forqué.
Montserrat Caballé canta más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha cantado roles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianisimos.
En los últimos años, se ha dedicado a varias actividades benéficas. Es embajadora de buena voluntad de la UNESCO, y crea una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona.
En 2006 actúa en Valencia frente al papa Benedicto XVI, en compañía de José María Cano, con una composición de este último.
Su hija, Montserrat Martí, también es cantante y ocasionalmente se presentan juntas, como en 2004 en el Teatro Real, en la versión en concierto de la ópera Cleopatra de Massenet.
Biografía
Estudia 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.
Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.
Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.
Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Ópera del Metropolitan con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972, debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.
En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
En 1986 interpretó un pequeño papel en la película Romanza final (Gayarre) dirigida por José María Forqué.
Montserrat Caballé canta más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha cantado roles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianisimos.
En los últimos años, se ha dedicado a varias actividades benéficas. Es embajadora de buena voluntad de la UNESCO, y crea una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona.
En 2006 actúa en Valencia frente al papa Benedicto XVI, en compañía de José María Cano, con una composición de este último.
Su hija, Montserrat Martí, también es cantante y ocasionalmente se presentan juntas, como en 2004 en el Teatro Real, en la versión en concierto de la ópera Cleopatra de Massenet.
4 de abril de 2007
Concierto del día: Misa en Fa Menor de Anton Burckner
Con la presencia del Orfeón Donostiarra, la Orquesta Sinfónica de Galicia interpreta el miércoles 4 de abril la Misa en fa menor de Anton Bruckner, bajo la batuta de su director titular Víctor Pablo Pérez y dentro de su programación de abono en La Coruña. La monumental obra sinfónico-coral de Bruckner estará servida también por un cuarteto vocal de primera línea internacional, formado por la soprano Katherine Müller, la mezzo Anna Stephany, el tenor Christoph Strehl y el bajo Attila Jun.
Anton Bruckner (Ansfelden, Austria, 9 de septiembre de 1824 - Viena, 11 de octubre de 1896). Compositor y organista austriaco. Nació en un pequeño pueblo, en el norte del país. Devoto católico, sus estudios musicales se extendieron hasta la edad de 40 años, bajo la dirección de Simon Sechter y Otto Kitzler. Éste último lo introdujo al universo musical de Richard Wagner, que Bruckner estudió extensivamente desde 1863. Después de terminar sus estudios escribió su primera obra madura, la Misa en re menor.
En 1868 aceptó la posición de profesor de teoría de la música en el Conservatorio de Viena, momento a partir del que concentró la mayor parte de su energía en escribir sinfonías. Sin embargo, sus obras fueron mal recibidas, consideradas "salvajes" y "absurdas". Bruckner aceptó más adelante una posición en la Universidad de Viena en 1875, donde enseñó teoría de la música.Dentro del círculo de sus adeptos en la Universidad se encontraban Hugo Wolff y Gustav Mahler, en ese entonces aún estudiantes.
La escena musical vienesa estaba polarizada entre los partidarios del estilo musical de Richard Wagner y los que preferían la música de Johannes Brahms. Al dedicar a Wagner su Tercera Sinfonía, Bruckner se ubicó sin desearlo en uno de los dos bandos. El crítico musical Eduard Hanslick, líder de la opinión culta, escogió a Bruckner como blanco de su ira antiwagneriana al calificar esta sinfonía como "si la Novena de Beethoven y la Valkiria de Wagner se mezclaran, y la primera acabara pisoteada por los cascos de los caballos de la segunda".
A pesar de todo, Bruckner tenía partidarios, entre los que se contaban famosos directores de orquesta como Arthur Nikisch y Franz Schalk, que intentaban constantemente acercar su música al público. Con este buen propósito propusieron al maestro gran cantidad de modificaciones a sus obras para hacer su música más aceptable al público. El carácter retraído de Bruckner hizo que consintiera en realizar algunos cambios, aunque se cercioró de conservar sus manuscritos originales, seguro de su validez. Éstos fueron posteriormente legados a la Biblioteca Nacional de Viena.
Otra prueba de la confianza de Bruckner en su capacidad artística es el hecho que él a menudo comenzaba el trabajo en una nueva sinfonía pocos días después de acabar la anterior. Además de sus sinfonías, Bruckner escribió misas, motetes, y otras obras corales sacras.
Aunque Bruckner era un organista renombrado en su tiempo, impresionando a audiencias en Francia e Inglaterra con sus improvisaciones, no compuso ninguna obra importante para este instrumento. Sus sesiones de improvisación le proporcionaron a veces ideas que desarrollaría posteriormente en sus sinfonías.
El maestro se apaga en Viena el 11 de octubre de 1896. Sus restos reposan en la entrada de la iglesia de San Florian, justo debajo del gran órgano. Durante los trabajos para construir la cripta se descubreron 6 000 esqueletos procedentes de un campo de batalla de la época de los Hunos. De esta forma, los cráneos minuciosamente alineados parecen admirar, en un silencio absoluto e impresionante, a aquél que llamaron: el Menestrel de Dios.
Obra
Intentó construir la sinfonía sobre 3 temas. Su obra es fértil, sentimental y romántica. En los paises latinos su obra es poco conocida, pero en los países germánicos y en Norteamérica se le considera como uno de los mayores compositores de su tiempo.
Anton Bruckner (Ansfelden, Austria, 9 de septiembre de 1824 - Viena, 11 de octubre de 1896). Compositor y organista austriaco. Nació en un pequeño pueblo, en el norte del país. Devoto católico, sus estudios musicales se extendieron hasta la edad de 40 años, bajo la dirección de Simon Sechter y Otto Kitzler. Éste último lo introdujo al universo musical de Richard Wagner, que Bruckner estudió extensivamente desde 1863. Después de terminar sus estudios escribió su primera obra madura, la Misa en re menor.
En 1868 aceptó la posición de profesor de teoría de la música en el Conservatorio de Viena, momento a partir del que concentró la mayor parte de su energía en escribir sinfonías. Sin embargo, sus obras fueron mal recibidas, consideradas "salvajes" y "absurdas". Bruckner aceptó más adelante una posición en la Universidad de Viena en 1875, donde enseñó teoría de la música.Dentro del círculo de sus adeptos en la Universidad se encontraban Hugo Wolff y Gustav Mahler, en ese entonces aún estudiantes.
La escena musical vienesa estaba polarizada entre los partidarios del estilo musical de Richard Wagner y los que preferían la música de Johannes Brahms. Al dedicar a Wagner su Tercera Sinfonía, Bruckner se ubicó sin desearlo en uno de los dos bandos. El crítico musical Eduard Hanslick, líder de la opinión culta, escogió a Bruckner como blanco de su ira antiwagneriana al calificar esta sinfonía como "si la Novena de Beethoven y la Valkiria de Wagner se mezclaran, y la primera acabara pisoteada por los cascos de los caballos de la segunda".
A pesar de todo, Bruckner tenía partidarios, entre los que se contaban famosos directores de orquesta como Arthur Nikisch y Franz Schalk, que intentaban constantemente acercar su música al público. Con este buen propósito propusieron al maestro gran cantidad de modificaciones a sus obras para hacer su música más aceptable al público. El carácter retraído de Bruckner hizo que consintiera en realizar algunos cambios, aunque se cercioró de conservar sus manuscritos originales, seguro de su validez. Éstos fueron posteriormente legados a la Biblioteca Nacional de Viena.
Otra prueba de la confianza de Bruckner en su capacidad artística es el hecho que él a menudo comenzaba el trabajo en una nueva sinfonía pocos días después de acabar la anterior. Además de sus sinfonías, Bruckner escribió misas, motetes, y otras obras corales sacras.
Aunque Bruckner era un organista renombrado en su tiempo, impresionando a audiencias en Francia e Inglaterra con sus improvisaciones, no compuso ninguna obra importante para este instrumento. Sus sesiones de improvisación le proporcionaron a veces ideas que desarrollaría posteriormente en sus sinfonías.
El maestro se apaga en Viena el 11 de octubre de 1896. Sus restos reposan en la entrada de la iglesia de San Florian, justo debajo del gran órgano. Durante los trabajos para construir la cripta se descubreron 6 000 esqueletos procedentes de un campo de batalla de la época de los Hunos. De esta forma, los cráneos minuciosamente alineados parecen admirar, en un silencio absoluto e impresionante, a aquél que llamaron: el Menestrel de Dios.
Obra
Intentó construir la sinfonía sobre 3 temas. Su obra es fértil, sentimental y romántica. En los paises latinos su obra es poco conocida, pero en los países germánicos y en Norteamérica se le considera como uno de los mayores compositores de su tiempo.
31 de marzo de 2007
Joseph Haydn
Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809), compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista. Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.
Biografía esencial
Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de Viena (Austria), y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.
Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante diez años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.
Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".
Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.
Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.
Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.
Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.
Biografía esencial
Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de Viena (Austria), y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.
Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante diez años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.
Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".
Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.
Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.
Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.
Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.
30 de marzo de 2007
Céline Dion
Céline Marie Claudette Dion es una vocalista canadiense, que ha vendido alrededor de 175 millones de álbumes en todo el mundo, siendo una de las solistas femeninas con más discos vendidos en la historia. Posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual.
Sus inicios
Céline Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una familia católica pobre en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá). Tenía una voz preciosa, que su madre se ocupó de animarla a usar. A los cinco años de edad ya actuaba para cualquiera que quisiera escucharla cantar.
En 1980, cuando tenía 12 años de edad, su hermano Michael grabó un casete con su voz y la llevó a un productor, René Angelil, que creyó tanto en su voz, que hipotecó su casa para ayudar a financiar su carrera. En 1981 publicaron su primer disco en francés (su lengua materna), La Voix du bon Dieu, lo que la convirtió rápidamente en una estrella en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la medalla de oro en el Festival Mundial de la Canción de Tokio (Japón).
Su carrera continuó progresando y, en 1987, produjo el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito. Colaborando con las compositoras suizas Atilla Şereftuğ y Nella Martinetti, Céline Dion fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988, cantando Ne partez pas sans moi. Su victoria en este concurso celebrado en Dublin, Irlanda, el 30 de abril de 1988, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now.
Muchos de los singles de éxito que siguieron durante los diez años posteriores If You Asked Me To, Water from the Moon, y Nothing Broken but My Heart) fueron escritos por Diane Warren, una compositora muy conocida por sus poderosas baladas. Sin embargo, finalmente, Céline Dion mostró su talento como compositora cuando colaboró en la creación de Don’t Save It All for Christmas Day para el álbum de navidad de 1998, These Are Special Times, y Treat Her Like a Lady en su álbum de 1997 Let’s Talk About Love.
A finales de 1993, Céline declaró por primera vez a su público que estaba enamorada de su manager, René Angelil. En la sección de dedicatorias de su tercer álbum en lengua inglesa, The Colour of My Love, Dion se refirió a Angelil como “el color de mi amor”. Finalmente se comprometieron y se casaron en 1994. La boda fue retransmitida por la televisión en Canadá consiguiendo una gran audiencia. La pareja tiene un hijo, René-Charles Angelil, nacido en enero de 2001.
En 1997, My Heart Will Go On —la canción del film Titanic— fue éxito de ventas con millones de copias vendidas y la hizo mundialmente famosa.
En el 2003, Céline Dion apareció en el noveno lugar de la lista Las 22 voces más grandes de MTV, que fue hecha por la votación del público por la conmemoración de los veinte años de MTV, donde escogieron los mejores vocalistas que aparecieron por MTV.
En el 2004 también apareció en el cuarto lugar de la lista “The 100 Outstanding Pop Vocalists” (los 100 vocalistas pop más importantes) de la revista Cove Magazing, debajo de Mariah Carey, Michael Jackson y Christina Aguilera.
Actualmente se considera que posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual, al igual que Christina Aguilera, Sarah Brightman, Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras.
Registro vocal
Céline Dion es mezzosoprano y su registro vocal es de dos octavas y una séptima:
* en el agudo: sib5 (a los 4 min. 5 s de la canción Nadie lo entiende, con Café Quijano)
* en el grave: re3 (a los 22 segundos de Nadie lo entiende y en la última nota (casi inaudible, por lo grave) de la escala descendente final de Let You Heart Decide (a los 2 min. 41 s).
Sus inicios
Céline Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una familia católica pobre en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá). Tenía una voz preciosa, que su madre se ocupó de animarla a usar. A los cinco años de edad ya actuaba para cualquiera que quisiera escucharla cantar.
En 1980, cuando tenía 12 años de edad, su hermano Michael grabó un casete con su voz y la llevó a un productor, René Angelil, que creyó tanto en su voz, que hipotecó su casa para ayudar a financiar su carrera. En 1981 publicaron su primer disco en francés (su lengua materna), La Voix du bon Dieu, lo que la convirtió rápidamente en una estrella en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la medalla de oro en el Festival Mundial de la Canción de Tokio (Japón).
Su carrera continuó progresando y, en 1987, produjo el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito. Colaborando con las compositoras suizas Atilla Şereftuğ y Nella Martinetti, Céline Dion fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988, cantando Ne partez pas sans moi. Su victoria en este concurso celebrado en Dublin, Irlanda, el 30 de abril de 1988, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now.
Muchos de los singles de éxito que siguieron durante los diez años posteriores If You Asked Me To, Water from the Moon, y Nothing Broken but My Heart) fueron escritos por Diane Warren, una compositora muy conocida por sus poderosas baladas. Sin embargo, finalmente, Céline Dion mostró su talento como compositora cuando colaboró en la creación de Don’t Save It All for Christmas Day para el álbum de navidad de 1998, These Are Special Times, y Treat Her Like a Lady en su álbum de 1997 Let’s Talk About Love.
A finales de 1993, Céline declaró por primera vez a su público que estaba enamorada de su manager, René Angelil. En la sección de dedicatorias de su tercer álbum en lengua inglesa, The Colour of My Love, Dion se refirió a Angelil como “el color de mi amor”. Finalmente se comprometieron y se casaron en 1994. La boda fue retransmitida por la televisión en Canadá consiguiendo una gran audiencia. La pareja tiene un hijo, René-Charles Angelil, nacido en enero de 2001.
En 1997, My Heart Will Go On —la canción del film Titanic— fue éxito de ventas con millones de copias vendidas y la hizo mundialmente famosa.
En el 2003, Céline Dion apareció en el noveno lugar de la lista Las 22 voces más grandes de MTV, que fue hecha por la votación del público por la conmemoración de los veinte años de MTV, donde escogieron los mejores vocalistas que aparecieron por MTV.
En el 2004 también apareció en el cuarto lugar de la lista “The 100 Outstanding Pop Vocalists” (los 100 vocalistas pop más importantes) de la revista Cove Magazing, debajo de Mariah Carey, Michael Jackson y Christina Aguilera.
Actualmente se considera que posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual, al igual que Christina Aguilera, Sarah Brightman, Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras.
Registro vocal
Céline Dion es mezzosoprano y su registro vocal es de dos octavas y una séptima:
* en el agudo: sib5 (a los 4 min. 5 s de la canción Nadie lo entiende, con Café Quijano)
* en el grave: re3 (a los 22 segundos de Nadie lo entiende y en la última nota (casi inaudible, por lo grave) de la escala descendente final de Let You Heart Decide (a los 2 min. 41 s).
27 de marzo de 2007
Historia de la Opera: Ópera Barroca
La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oido. Se difundió por toda Europa pero su trayectoria triunfal fue seguida por dos siglos de abandono, tiempo durante el cual fue denigrada por pasada de moda sin la menor esperanza, falta de dramatismo, pomposa y vacía. El auge de la musicología a fines del siglo XIX trajo consigo la exhumación de una obra tras otra y pasado el recodo del siglo la escuela neobarroca, en reacción contra el drama musical wagneriano, sacó provecho de ello. El nombre de Monteverdi resonó una vez más después de muchos años; tras la primera gran guerra, las obras de Haendel volvieron a la escena por vez primera en Göttingen. Había mucho que resucitar, aparentemente como vía de escape de la emotividad del romanticismo tardío, pero un exponente del decorativo estilo vocal barroco, en verdad la estrella de la ópera barroca, había desaparecido sin remedio: el castrato, el varón mutilado que fue la creación extravagante y víctima del bel canto.
Poco antes de que se desencadenara la epidemia operística, la ópera cómica, que ya en fecha tan temprana como 1639 había recibido el nombre de "commedia", fue "inventada" en Roma. La gente común plantó en el escenario musical, junto con figuras tomadas de la commedia dell'arte, la música de Mazzochi y Marazzoli con texto del cardenal Giulio Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX. La ópera se titulaba Chi soffre speri. Era de estilo realista, pues la realidad es la piedra de toque de la comedia. Se imponía la verosimilitud, que conducía al tratamiento psicológico de los personajes, que dejaban de ser rígidas figuras estereotipadas. La opera buffa aportó al teatro musical una mirada instrospectiva en la naturaleza humana, con sus debilidades, frustraciones y conflictos.
La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco" -así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos- en tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales, normalmente en una forma "da capo" (ABA). En su riqueza de coloratura, en su capacidad para conmover y su belleza, estas arias tenían un brillo artificial y una tendencia intrínseca hacia el manierismo. La armonía estaba concebida mucho más verticalmente que en la era polifónica del Renacimiento. La partitura consistía fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; de los clavecinistas y de los tañadores de instrumentos pulsados se esperaba que improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del bajo; de aquí el bajo continuo. La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerda que en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal. La ejecución era dirigida desde el clave, a menudo por el propio compositor.
La primera ópera en alemán fue representada en 1627 en el castillo de Hartenfels, cerca de Torgau; fue Daphne, con versos del poeta lírico Martin Opitz y música de Heinrich Schütz, el más destacado compositor barroco alemán anterior a Bach y Haendel. El libreto se ha conservado pero la partitura se ha perdido, como las de las demás óperas de Schütz. Casi todas las óperas de la época se representaron ligadas a celebraciones cortesanas, en particular bodas principescas. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el mayor efectismo. Los emperadores y los reyes, por no mencionar a los príncipes, eran reflejados en la panoplia de la ópera, sus virtudes eran exaltadas y se mostraba su magnificencia. Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la grand opéra francesa. En Versalles la grandeur del rey llegó a su cúspide. Se introdujo el ballet, en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito. La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670), que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente cómica.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux, el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos, influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.
La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cronwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare. Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones, coros y bailes. Su única ópera propiamente dicha, Dido and Aeneas, representada en 1689 en un pensionado para señoritas regentado por un maestro de baile en Chelsea, se aparta de esas semióperas y mascaradas. Ópera de cámara, con cuarenta y cuatro números, escrita para un corto número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el desdichado amor entre la reina de cartago y el héroe troyano. Los breves y melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un baluarte del bel canto. Confiando en la capacidad de atracción de las estrellas del canto, los empresarios privados tuvieron un éxito desigual al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el continente. Uno de ellos fue Georg Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad sajona de Halle en 1685, el mismo año de Johann Sebastian Bach, y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759. Hijo de un cirujano, tenía veinte años cuando alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Llegó a Londres desde Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera para el teatro que dirigía. La obra final de Haendel es un puente entre el barroco tardío y el rococó; Serse (Jerjes, 1738) se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y comedia. Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental. Se apoya invariablemente en el vigor melódico del aria da capo y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices, con solo obligatos característicos. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas (como el célebre "Largo" de Serse) son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido. En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional. Las óperas de haendel quedaron olvidadas durante casi doscientos años, pero sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con Messiah, eran óperas irrepresentables adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género.
El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que andaban enredados primadonnas and castratos, los decorados ostentosos y el público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla. Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch, un inmigrante de Berlín. Esta ingeniosa obra fue redescubierta en 1920; en 1928 proporcionó el modelo para la Dreigroschenoper de Bertold Brecht y Kurt Weill.
Poco antes de que se desencadenara la epidemia operística, la ópera cómica, que ya en fecha tan temprana como 1639 había recibido el nombre de "commedia", fue "inventada" en Roma. La gente común plantó en el escenario musical, junto con figuras tomadas de la commedia dell'arte, la música de Mazzochi y Marazzoli con texto del cardenal Giulio Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX. La ópera se titulaba Chi soffre speri. Era de estilo realista, pues la realidad es la piedra de toque de la comedia. Se imponía la verosimilitud, que conducía al tratamiento psicológico de los personajes, que dejaban de ser rígidas figuras estereotipadas. La opera buffa aportó al teatro musical una mirada instrospectiva en la naturaleza humana, con sus debilidades, frustraciones y conflictos.
La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco" -así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos- en tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales, normalmente en una forma "da capo" (ABA). En su riqueza de coloratura, en su capacidad para conmover y su belleza, estas arias tenían un brillo artificial y una tendencia intrínseca hacia el manierismo. La armonía estaba concebida mucho más verticalmente que en la era polifónica del Renacimiento. La partitura consistía fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; de los clavecinistas y de los tañadores de instrumentos pulsados se esperaba que improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del bajo; de aquí el bajo continuo. La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerda que en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal. La ejecución era dirigida desde el clave, a menudo por el propio compositor.
La primera ópera en alemán fue representada en 1627 en el castillo de Hartenfels, cerca de Torgau; fue Daphne, con versos del poeta lírico Martin Opitz y música de Heinrich Schütz, el más destacado compositor barroco alemán anterior a Bach y Haendel. El libreto se ha conservado pero la partitura se ha perdido, como las de las demás óperas de Schütz. Casi todas las óperas de la época se representaron ligadas a celebraciones cortesanas, en particular bodas principescas. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el mayor efectismo. Los emperadores y los reyes, por no mencionar a los príncipes, eran reflejados en la panoplia de la ópera, sus virtudes eran exaltadas y se mostraba su magnificencia. Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la grand opéra francesa. En Versalles la grandeur del rey llegó a su cúspide. Se introdujo el ballet, en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito. La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670), que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente cómica.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux, el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos, influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.
La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cronwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare. Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones, coros y bailes. Su única ópera propiamente dicha, Dido and Aeneas, representada en 1689 en un pensionado para señoritas regentado por un maestro de baile en Chelsea, se aparta de esas semióperas y mascaradas. Ópera de cámara, con cuarenta y cuatro números, escrita para un corto número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el desdichado amor entre la reina de cartago y el héroe troyano. Los breves y melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un baluarte del bel canto. Confiando en la capacidad de atracción de las estrellas del canto, los empresarios privados tuvieron un éxito desigual al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el continente. Uno de ellos fue Georg Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad sajona de Halle en 1685, el mismo año de Johann Sebastian Bach, y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759. Hijo de un cirujano, tenía veinte años cuando alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Llegó a Londres desde Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera para el teatro que dirigía. La obra final de Haendel es un puente entre el barroco tardío y el rococó; Serse (Jerjes, 1738) se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y comedia. Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental. Se apoya invariablemente en el vigor melódico del aria da capo y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices, con solo obligatos característicos. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas (como el célebre "Largo" de Serse) son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido. En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional. Las óperas de haendel quedaron olvidadas durante casi doscientos años, pero sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con Messiah, eran óperas irrepresentables adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género.
El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que andaban enredados primadonnas and castratos, los decorados ostentosos y el público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla. Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch, un inmigrante de Berlín. Esta ingeniosa obra fue redescubierta en 1920; en 1928 proporcionó el modelo para la Dreigroschenoper de Bertold Brecht y Kurt Weill.
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