María Bayo y Josep Soler, Premios Nacionales de Música

La soprano María Bayo y el músico Josep Soler han obtenido el Premio Nacional de Música 2009 en las modalidades de Interpretación y Composición, respectivamente, unas distinciones que han recibido por su "incansable" dedicación a su profesión y su apoyo a la difusión de la música y la lírica.

La soprano María Bayo y el compositor Josep Soler han sido galardonados hoy con el Premio Nacional de Música 2009 en sus modalidades de Interpretación y Composición, respectivamente. Cada uno de estos galardones, que concede el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.
El jurado estuvo presidido por Félix Palomero, director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de las Música (INAEM) con la vicepresidencia del subdirector general de Música y Danza, Antonio Garde, e integrado por Patrick Alfaya McShane, Elena Angulo Aramburu, Mari Carmen Palma Claudín, Isabel Penagos Valero, Belén Pérez Castillo y José Luis Temes (Premio Nacional de Música 2008 en la modalidad de Interpretación).
Una soprano formada en Alemania
María Bayo, nacida en Fitero (Navarra), inició sus estudios musicales en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona, donde estudió con Doña Edurne Aguerri. Amplió estudios en la Staatliche Höchschule fur Musik Westfalen Lippe en Detmold (Alemania) con el profesor Arthur Janzen, donde obtuvo las más altas calificaciones y una mención especial.
La soprano ha cantado los roles principales de óperas como Sonnambula, Don Pasquale, Los pescadores de perlas, Lucia de Lammermoor, La Corona, Gianni Schicchi, María Estuardo, Las Bodas de Fígaro, Rinaldo, Tancredi o Los cuentos de Hoffmann, entre muchas otras, actuando con los más prestigiosos cantantes y directores de orquesta como Riccardo Chailly, Giuseppe Sinopoli, René Jacobs o Sir Colin Davis.
Paralelamente a la actividad operística, ha realizado recitales de lieder y oratorio en festivales y teatros de todo el mundo, destacando las intervenciones en el Ludwigsbuger Schlossfestpiele International, en la Ópera de Hamburgo, Festival de Salzburgo.
Tras ser finalista en numerosos concursos, obtuvo premios como los de Ciudad de Logroño, Julián Gayarre (Pamplona), Viñas (Barcelona), María Callas (Italia), pero el empujón definitivo llegó al ganar en 1985 el Concurso Internacional Belvedere de Viena, donde ganó un total de once premios, entre ellos el primero, siendo la primera vez en la historia del concurso que ocurría esto.
Le fue concedido por unanimidad el Premio Ojo Crítico Segundo Milenio en la categoría de Música Clásica por Radio Nacional de España en 1991. En 2002 Maria Bayo es galardonada con el premio 'Príncipe de Viana' de manos de el Príncipe de Asturias.
Sus compromisos le van a llevar en los próximos años a los mejores escenarios de Europa, América y Asia; tiene comprometidos la interpretación de roles solistas en óperas como Pelléas et Mélisande, Barbiere di Siviglia, La Flauta Mágica, Pagliacci,Nozze di Figaro o Don Giovanni, además de recitales con piano, con orquestas y ensembles barrocos.
Maestro de compositores
Josep Soler nació en 1935 en Vilafranca del Penedés (Barcelona), donde comenzó sus estudios musicales, que más tarde amplió en París con René Leibowitz y en Barcelona con Cristòfor Taltabull. Obtiene el título de Profesor de Historia y Estética de la Música por el Conservatorio Superior de Barcelona. Como docente ha sido profesor de Historia y Estética de la Música (1977-1982) y hasta 1985 de Composición en el Conservatorio Superior de Barcelona. Ha sido maestro de varias generaciones de compositores catalanes. En la actualidad es Director del Conservatorio Profesional de Badalona.
Ha realizado numerosas publicaciones sobre diferentes temas musicales, destacando uno de sus últimos libros, J.S. Bach, una estructura del dolor (Madrid, 2004), en el que ofrece una de las visiones más particulares escritas en los últimos tiempos acerca de este compositor.
Como compositor es autor de más ciento cincuenta de obras para piano, órgano, música de cámara, conjunto de cámara, orquesta sinfónica, etc. Es de reseñar su amplia dedicación a las composiciones que destacan por la fuerte presencia de la voz humana.
En este aspecto es importante su abundante producción operística, que abarca una decena de obras como Edip i Iocasta, cuyo estreno tuvo lugar en el Liceo de Barcelona en 1986 o Murillo también en Barcelona en 1995.
Entre sus últimos estrenos figura la obra escénica 'El Misteri de Sant Francesc', se produjo en marzo de 2006 en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. Y en noviembre del mismo año presentó mundialmente su 'Paisatge nocturn' para flauta y piano.
En 2007 su obra Homenatge a Joaquim Homs para piano. Durante el año 2008 sus obras Komm, komm! du bist die Seele... para soprano y clarinete es estrenada en el Festival Mas i Mas' 08 y Para Elena y Ramón Barce, obra destinada a piano solo se presenta mundialmente en el XXIII Cicle de Música del Segle XX-XXI, organizado por la Fundació Música Contemporània, quien también será el encargado de estrenar En el valle de lágrimas en el Concierto-Homenaje a Ramón Barce que va a tener lugar en el Auditorio Nacional de Música el 14 de diciembre de 2009.
Algunas de sus composiciones se han interpretado por primera vez fuera de nuestras fronteras en países como Alemania, Brasil, Holanda, Francia, Reino Unido, Italia o Rumania. Sus obras se  encuentran recogidas en más de una treintena de grabaciones.
Soler ha sido galardonado con el Premio Ciudad de Barcelona (1962 y 1978), Premio de la Opera de Montecarlo (1960) por su ópera Agamemnón, XIII Premio Óscar Esplá (1982). Es académico numerario de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. En 2001 se le distinguió con el Premio de Música de la Generalitat de Catalunya.

La OSG celebra el año de Andrés Gaos con el estreno mundial de su “Amor vedado

Éste es un año en que la ciudad y sobre todo la parte de su comunidad que se confiesa amante de la música se ha propuesto ensalzar la figura de Andrés Gaos (1874-1959). Un coruñés que, tal y como expresó ayer Víctor Pablo Pérez, director de la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG), pese a no haber hallado un reconocimiento equiparable al de Albéniz o Granados, iguala o incluso supera a ambos en la claridad y calidad de sus trabajos.
Con acento argentino, el mismo que adquirió su padre en Buenos Aires, donde pasó la mayor parte de su vida adulta, el hijo de Gaos -de segundo apellido Guichillón y con el mismo nombre que su progenitor- recordaba ayer que la de mañana será la primera vez que se represente “Amor Vedado”, una ópera que aseguran supone la cima de la obra del prolífico violinista. Se trata de un estreno mundial que la OSG ha escogido para centrar los actos que homenajean al creador herculino.
Las voces > Los encargados de llevar a buen puerto el debut sobre los escenarios de esta ópera serán la soprano Marta Matheu y el tenor Albert Monserrat, dirigidos por Víctor Pablo Pérez e interpretando una adaptación realizada por Joam Trillo. Subtitulada “Ópera argentina en un acto de siete escenas”, y con un libreto escrito por el propio creador, tal y como se encargó de recordar su heredero, “Amor vedado” supuso la única incursión en el género lírico que realizó el músico. A pesar de no haberla estrenado nunca, la consideraba una de sus mejores creaciones.
El programa de mañana comprende además la interpretación de “Fantasía para violín” y “Suite a la antigua”, dos de sus piezas más populares.
Paralelamente al tributo ofrecido por la Sinfónica, la Universidad también ha querido aportar su granito de arena al año Gaos. Es por eso que ayer se presentó la segunda edición de las Xornadas de Divulgación do Patrimonio Musical Galego, que también se dedican este año a la figura del creador coruñés.
Más iniciativas > El vicerrector de Cultura, Luis Caparrós, compareció junto a Julián Pérez, director del aula de Música de la Universidad y apasionado del trabajo “gaosiano”, para presentar una serie de actos que se llevarán a cabo a partir del próximo 13 de octubre. Además, los responsables de la presentación anunciaron que preparan una mesa redonda en la que participarán varios expertos en el personaje recordado, entre los que estará su hijo.
Después de este debate tendrá lugar una conferencia concierto que los promotores consideraron “muy adecuada al ámbito universitario” por su vocación didáctica.

Turandot triunfa en La Coruña

La primera representación de Turandot se desarrolló con gran éxito, patente en la larga ovación final y otras espontáneas tras actuaciones individuales. La primera de éstas, para Cristina Gallardo-Dômas por su Signore ascolta, fue un acto de pura justicia con la primera soprano pucciniana del momento. Desde la humildad de su personaje, Liu, supo encender un entusiasmo que el público coruñés multiplicaría luego con generosidad.

La función se cimentó en la solidísima actuación de los conjuntos. La Sinfónica de Galicia estuvo espléndida. Su carrera vital por Mozart, Rossini y otros belcantistas, románticos e impresionistas la ha llevado a las posiciones de cabeza entre las orquestas de foso en toda España. Sus coros de adultos e infantil estuvieron a su altura bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez Martínez, que concertó y matizó con su peculiar eficacia.

Lise Lindstrom, Turandot, cuajó una buena actuación, aunque con una clara tendencia al grito en los agudos en forte y su voz tiene un timbre algo áspero. Marcello Giordanni compuso un Calaf muy hierático. Su voz sonó tensa toda la noche, pero se llevó la gran ovación de la noche en el Nessun dorma. Es de rigor: lo conocido siempre tira de la palma. Luiz-Ottavio Faria hizo un Timur soberbio de voz y presencia. Y Pablo Carballido se mostró excelente de carácter en un compasivo Altoum. El trío de ministros de Guagliardo, Pardo y Atxalandabaso estuvo a la gran altura y solidez de los conjuntos. Pero la escenografía del Palau de les Arts valenciano resultó demasiado grande para un escenario en el que parecía metida con calzador.

Aniversario por todo lo alto en NY

La Opera de Nueva York celebra hoy su 125 aniversario por todo lo alto con una gala en la que intervienen algunos de los más grandes artistas del “bel canto”, como Plácido Domingo, quien será homenajeado con motivo de sus más de cuarenta años sobre los escenarios.

El tenor español es la gran estrella de esta celebración de la lírica, pues la quizás más prestigiosa casa de la ópera del mundo ha querido también rendirle homenaje y festejar aquél 28 de septiembre de 1968, cuando el artista español debutó aquí para interpretar a Maurizio en el drama “Adriana Lecouvrier” de Francesco Cilea (1866-1950).

“La verdad es que el tiempo ha pasado tan rápido… Pero ha sido emoción tras emoción año tras año. Y lo mismo siento desde hace ya 41 años casi, cuando debuté en el Metropolitan, como ahora. La misma ilusión y la misma pasión por estar ya en este teatro único en su género”, dijo Plácido Domingo.

No es de extrañar que el artista español se sienta tan cómodo en este teatro, pues “en él he cantado en mucho más que otros: llevo 628 funciones de ópera cantadas, 130 dirigidas. Son muchas noches”.
Domingo, a sus 68 años, vuelve una vez más a un teatro donde él mismo confiesa haber pasado más horas que en ningún otro del mundo y al que esta misma temporada ha vuelto con la misma ópera y el mismo personaje que interpretó hace cuatro décadas.

Esta “es una noche de recuerdos y una noche mágica en la que todos los grandes fantasmas que han pasado por este teatro y por el otro antes de que llegaran aquí, estarán aquí presentes”, dijo el artista anticipando la gala.

Animado por los nuevos retos y papeles, el tenor nacido en Madrid y criado en México ha reconocido también en más de una ocasión que el secreto de su permanencia y su fuerza es el entusiasmo por su trabajo y su insistencia en desafiarse a sí mismo.

En esta ocasión, junto a Plácido Domingo en su casa neoyorquina estarán otros reconocidos artistas de la lírica como Stephanie Blythe, René Pape, Deborah Voigt o Ben Heppner, todos ellos dirigidos por James Levine, en una gala para la que el Metropolitan Opera House ha preparado recreaciones históricas de sus producciones más clásicas desde que se inauguró en 1883.

Los productores Phelim McDermott y Julian Crouch han creado para esta ocasión un vídeo que imagina cómo debió ser el “Fausto” con que se inauguró esta ópera en 1883 o el primer “Parsifal” fuera de Bayreuth, en 1903, y así hasta 26 escenas con las que estos creadores llevarán el pasado al presente.

Las evocadoras fotos de toda la historia del Met sirvieron a los productores para esta recreación, en la que se ha incluido una animación de la pintura “El triunfo de la música” de Marc Chagall (1887-1985), que se ve en la entrada al museo, o la obertura de “La flauta mágica”, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

Para Domingo se ha preparado, entre otras, una recreación de “La Fanciulla del West” de Giacomo Puccini estrenada en 1910 en la ópera neoyorquina y que interpretó el mítico Enrico Caruso
(1873-1921).

Recordando su amplia carrera artística, en la que siempre se ha destacado su poderosa voz y el magnetismo que despliega sobre el escenario, el tenor español indicó que los momentos inolviables de su carrera “son todos”. “Los primeros, en los que te juegas la carrera que vas a tener, después vas creciendo poco a poco, te vas encontrando en tu lugar. Y después, tienes que seguir con una gran ilusión y dedicación, y si es posible con más entusiasmo, porque no basta con llegar a un lugar: hay que seguir. Y llegas a la madurez”, señaló.

Para Domingo, su personaje más querido es el que interpreta en el momento: “No podría ser de otra manera, porque no puedes estar pensando que esta noche estás haciendo esta parte, y podrías hacer la otra que es tan bonita. Es un poco como nuestras familias españolas e italianas, en las que hay tantos hijos y a uno le preguntan cuál es tu hijo predilecto y tú no puedes decidirte”.

En cuanto al futuro, el artista asegura que sus planes “son seguir así”. “Tengo todavía muchos sueños, muchas óperas nuevas que estoy aprendiendo para dirigir, nuevas óperas también que me están escribendo, como ‘Il postino’, que la está escribiendo Daniel Catán, un compositor mexicano, basada en la película y que representará la vida de Neruda, y que debería hacer junto al tenor Rolando Villazón”, explicó.

De la retirada, el tenor no quiere ni oír hablar, y así asegura que “vacaciones, las tengo. Retirada, lógicamente llegará un día. Pero de eso no se habla: cuando tenga que llegar, llegará y ya está. Es lo lógico en la vida: todo empieza y todo acaba”.

Turandot

Turandot es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, inconclusa por la muerte de Puccini, fue completada por Franco Alfano y estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán.

Una de las partes más difíciles de la ópera se encuentra en el segundo acto y se inicia con la frase In questa reggia cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Musicalmente, esta parte exige sobreagudos por parte de la soprano que combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil. En el tercer acto se encuentra una de las arias más conocidas para tenor, Nessun dorma que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf canta que nadie duerma para descubrir el nombre del joven héroe. Otro aspecto musicalmente notable es el enfrentamiento entre tenor y soprano, en el segundo acto, que muchos comparan con lo que hizo antes Puccini en Tosca, también en el segundo acto, cuando enfrenta la voces del barítono y la soprano, Scarpia y Tosca.

Tabla de contenidos [ocultar]
1 Sinopsis
1.1 Acto I
1.2 Acto II
1.2.1 Cuadro I
1.2.2 Cuadro II
1.3 Acto III
1.3.1 Cuadro I
1.3.2 Cuadro II
2 Historia
3 Personajes
4 Censura en China
5 Enlaces externos

Sinopsis

Acto I
En la primera escena el pueblo de Pekín escucha la proclama de uno de los mandarines del emperador ("Popolo di Pekino..."), por el cual informa que la princesa se casará con aquel príncipe que responda correctamente los tres acertijos impuestos por su majestad. De no hacerlo así, morirá. Paso seguido, se informa que el Príncipe de Persia ha fallado, por lo tanto morirá al salir la luna. La gente acude a tal acto y llegan a la ciudad un ciego acompañado por una esclava quien lo guía. Entre la multitud, cae al suelo y es recogido por quien lo reconoce como su padre. El ciego es en realidad el rey Timur que tras perder la batalla, escapa junto a su guía para que ella mendigue por él. El príncipe, ante tal gesto de la mujer pregunta por qué tal noble acto y ella responde porque "un día, en palacio, tú me sonreíste".

El verdugo Pu-Tin-Pao aparece tras el clamor popular quienes cantan sobre la sangre derramada en el reino de Turandot, la princesa. Todo es jolgorio hasta que el pueblo enmudece al aparecer el príncipe de Persia y piden piedad por la vida del mismo ("O giovanotto! Grazia, grazia..."). El príncipe que había ayudado a su padre en las calles observa con horror el espectáculo, uniéndose al pueblo despreciando tal acto cruel. Pero es allí cuando hace su aparición la princesa quien con un gesto, ordena al verdugo que prosiga y vuelve a sus aposentos. Allí, el príncipe de misterioso origen cae completamente cegado ante la belleza de la princesa ("O divina bellezza! O meraviglia!") de tal forma que decide quedarse allí, sin escuchar las súplicas de su padre y la esclava para entrar en razones, y decide entonces probar su suerte para conquistar el corazón de la princesa. Cuando está dispuesto a golpear el gong tres veces para entrar a la prueba, tres ministros del emperador, Ping, Pang y Pong, le cortan el paso para intentar convencerlo de que no se arriesgue por algo así ya que, de todas formas, Turandot es solo una mujer y siendo él tan poderoso, podría conseguir mujeres a montones.

En ese momento, algunas cortesanas aparecen pidiendo silencio. Liu, la esclava, ruega al príncipe que desista en uno de los momentos más dramáticos y cautivantes del primer acto, un aria que requiere un tono soprano muy cuidado en su modulación y ejecución. Pero el príncipe le dice que ya es tarde, y que lo hará de todas formas, por lo que le pide que acompañe a su padre antes de dirigirse al gong gigante montado en el escenario, al que golpea tres veces.


Acto II

Los tres ministros, Ping, Pang y Pong, narran sus desventuras y las situaciones por las que han tenido que pasar por el capricho de la princesa, en un acto más liviano para el espectador. Hacen un repaso de los distintos pretendientes que la princesa ha tenido y los tres cantan para finalizar, poder por fin volver un poco a sus hogares para descansar, tras un final feliz con casamiento y poder lograr así un poco de paz para China. Desde el Palacio les anuncian que se presenten para el enésimo pretendiente, que nos lleva al siguiente cuadro.

Llegan los ministros y los guardias y cortesanas se aprestan a la llegada del emperador, quien preside la ceremonia, aclamado por el pueblo. Él mismo intenta advertir y detener al príncipe , deseando querer parar con el baño de sangre y no queriendo "cargar con el peso de joven vida" por las pruebas pero recibe la negativa del solicitante. El mandarín lee nuevamente la ley impuesta al perdedor, quien deberá morir al fallar.

Turandot aparece en escena y explica el porqué de su fría actitud frente a sus pretendientes ("In questa reggia..."). Una de sus antepasados, la princesa Lou-Ling fue violada por un extranjero y dejada a su muerte. Ella desea vengarla entonces, imponiendo su prueba mortal a todos los príncipes que vienen de distintos reinos para conquistarla. Luego Turandot misma formula los acertijos. El primero es "Quién es el fantasma que cada noche nace de nuevo en el hombre y muere cada día?" El príncipe piensa y acierta respondiendo "La esperanza". Nuevamente ella pregunta, "Qué es lo que flamea como una llama y no es fuego, y arde como la fiebre pero se enfría en la muerte?", siendo la respuesta del príncipe "La sangre". Finalmente, temblorosa y perdiendo la compostura, formula su tercer pregunta de la siguiente manera "Qué es lo que quema como el hielo, y cuanto más frío es, más quema?". Al dudar por varios instantes, Turandot rie de la suerte del concursante. Éste, al observarla directamente a los ojos y contemplar su belleza, se reincorpora triunfante y responde "Turandot". El consejo de mandarines acepta la respuesta como correcta y el reino se regocija, vivando al ganador. Ella clama entonces a su padre por piedad, para que no entregue a su hija en manos de este extranjero, pero el emperador replica que la palabra fue dada. El príncipe, al ver la resistencia de la princesa le propone un nuevo acertijo: si ella adivina su nombre antes del alba, él morirá. ("Dimmi il mio nome e all'alba morirò..."). Ella, naturalmente, acepta la apuesta.

Acto III

Turandot ordena que habrá pena de muerte a todo el mundo que sepa el nombre del príncipe y no lo diga. Los guardias recorren las calles entonces, pidiendo que nadie duerma en Pekín. El príncipe entonces canta el aria más famosa de la ópera, Nessun dorma (Nadie duerme) en la noche, siendo la pieza más destacada de la obra. Ping, Pang y Pong se presentan nuevamente intentando convencer al príncipe otra vez para que termine con esto, intentando ofrecerle mujeres y riquezas pero él sigue firme en su decisión de conseguir lo que se propuso. Los guardias entonces encuentran a su padre Timur y a Liu, a quien amenazan de muerte para que el príncipe revele su nombre. Llega la princesa y Ping, a través del verdugo, empiezan a torturarla pero Liu entoncs, declara que ella sabe el nombre pero se niega a declararlo incluso diciendo que pueden torturarla hasta el cansancio, pero ella no cederá. Se ejecuta entonces otra importante aria dentro de este acto cargada de dramatismo romántico en donde Turandot pregunta a Liu, el porqué de su fuerza interior para soportar tal dolor ("Chi posse tanta forza nel tuo cuore?") a lo que la esclava responde que es amor ("Principessa, l'amore!"). Le brinda entonces, según sus palabras, su amor a su señor mediante el silencio del amor inconfesado agregando que si ella le brinda su nombre, ella le dará su amor y ya no le quedará nada. Le advierte incluso a la princesa que ella también caerá rendida a su amor y en un acto final de sacrificio por amor, toma una de las armas de los guardias a su lado y se suicida. El coro de la gente de Pekín grita "Parla! Parla! Il nome!" mientras Liu muere en brazos del príncipe, manteniendo su palabra hasta el final. Su padre, Timur, se retira junto al cuerpo de Liu, quien es trasladado por los guardias a su morada final.

Perturbado por el acontecimiento, el príncipe enfrenta a la princesa recriminándole su frialdad derramando sangre inocente ("Principessa di gelo!") y agregando además que su "hielo es una mentira". Tras una larga conversación, el príncipe logra besarla quebrando la rígida actitud de Turandot al punto de que acepta su derrota, pidiéndole que no la estreche entre sus brazos. Finalmente, el príncipe, con resignación revela su nombre: "Io son Kalaf, figlio di Timur" (Soy Calaf, hijo de Timur). Es el amanecer, y suenan las trompetas de palacio.

Emperador se hace presente junto a toda su corte frente a su pueblo ("Diecimila anni al nostro Imperatore!"), para que su hija, la princesa Turandot revele el nombre del misterioso príncipe. Todos esperan espectantes la respuesta y cuando el momento llega, ella responde a su padre que conoce el nombre del extranjero "Il suo nome è ...Amor" (Su nombre es... amor). El pueblo estalla en alegría, exclamando

Amor!
O sole! Vita! Eternità!
Luce del mondo e amore!
Ride e canta nel sole
l'infinità nostra felicità!
Gloria a te! Gloria a te!
Gloria! ¡Amor!
¡Oh sol! ¡Vida! ¡Eternidad!
¡Luz del mundo y del amor!
¡Ríe y canta solo por
nuestra infinita felicidad!
¡Gloria a tí! ¡Gloria a tí!
¡Gloria!

La celebración se realiza dentro de un vibrante final con todos los coros participantes de la obra cantando esta última estrofa juntos, brindando al espectador un desenlace de fuerte contenido emotivo.


Historia
Turandot es un nombre de origen persa que significa “La hija de Turan”. Turan era una region de Asia Central que era parte del Imperio Persa. El origen de la historia de Turandot se remonta a un poema de Nezami, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa, llamado “Las siete bellezas” o “Las siete princesas”. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. Una de estas princesas, de origen Ruso, no encontraba ningún hombre que sea digno de ella, y por eso se encierra en una fortaleza y declara que se entregaría al hombre que la encuentre y pueda resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”.

Esta historia fue recogida por Francois de la Croix, un orientalista francés contemporáneo de Antoine Galland, traductor de “Las mil y una noches”, en una colección de cuentos llamada “Los mil y un días”. En esta obra se hace una transposición cultural de la princesa rusa original a una fría y cruel princesa china llamada “Turandokht”. Esta transposición tiene como objeto acentuar el carácter exótico de la historia.

A partir de este relato, Carlo Gozzi creó una tragicomedia al estilo de la Comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra.

Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Inició composición en enero de 1921. En marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dueto y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo la cuarta versión que hizo Adami del texto. El 10 de octubre le diagnostican a Puccini cáncer de garganta y muere pocas semanas después, el 29 de noviembre, dejando tan solo treinta y seis páginas con esbozos sobre el final de Turandot. Puccini también dejó instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y fue comisionado Franco Alfano para concluir la obra.

El estreno de Turandot se realizó en La Scala de Milán, el 25 de abril de 1926. El director era Arturo Toscanini y los intérpretes eran los siguientes:

Turandot - Rosa Raiza
Calaf - Miguel Fleta
Liù - Maria Zamboni
Timur - Carlo Walter
Ping - Giacomo Rimini
En la mitad del acto tercero, dos compases luego de las palabras "Liù, poesía!", la orquesta se detuvo, Toscanini bajó la batuta, se volvió al público y dijo "Qui il Maestro finí" ("Aquí terminó el maestro"). El telón descendió lentamente. Las representaciones posteriores incluyeron el final compuesto por Alfano.

En 2002, Luciano Berio compuso un nuevo final para Turandot que fue recibido con críticas mixtas.

Instante de la representación de Turandot en el Luna Park de Buenos Aires en 2006Turandot, princesa china (soprano)
Calaf, joven príncipe tártaro (tenor)
Timur, el padre de Kalaf (bajo)
Liù, joven esclava de Timur (soprano)
Altoum, el emperador de China (tenor)
Ping, grand canciller (bajo)
Pang, grand purveyor (tenor)
Pong, grand concinero (tenor)
Un mandarín (barítono)
El príncipe de Persia
El verdugo, Pu-Tin-Pao

Censura en China
Por muchos años, la República Popular China prohibió la representación de Turandot debido a que decían que maltrataba a China y a los chinos. Hacia finales de 1990 se reconsideró, y en septiembre de 1998, la ópera se estrenó, y por ocho noches en la Ciudad Prohibida, completo con opulentos escenarios y soldados del Ejército como extras. Fue una producción internacional, con dirección de Zhang Yimou como coreógrafo y Zubin Mehta como conductor (regiseur). Los roles de canto: Giovanna Casolla como la Princesa Turandot, Sergej Larin como Calaf, y Barbara Frittoli como Liù.

Juan Diego Florez

Juan Diego Flórez Salom, (*Lima, 13 de enero de 1973 - ), es un tenor lírico ligero peruano. Actualmente, es considerado por la crítica el mejor representante del repertorio rossiniano.

Juan Diego Flórez nació en Lima, el 13 de enero de 1973. Es hijo del cantante y guitarrista de música criolla peruana Rubén Flórez, acompañante de la célebre cantautora Chabuca Granda y de María Teresa Salom.

Inicialmente persiguió una carrera de cantante de música popular, cantaba covers de The Beatles y Led Zeppelin y, según sus propias declaraciones en una reciente entrevista en el diario OJO, de Lima, podía interpretar huaynos hasta canciones de Elvis Presley, a manera de reemplazo cuando el cantante del pub administrado por su madre se encontraba enferma. Estudió en el colegio Santa Margarita (http://www.santamargarita.edu.pe/) en Monterrico en Lima, Perú en donde conoció al actual cantautor Gianmarco y a Katushka, también cantautora del grupo Conección Límbica(http://www.myspace.com/coneccionlimbica). Estando en el cuarto año de educación secundaria conoció al profesor de música Genaro Chumpitazi Guerero, quien le dio sus primeras clases de impostación vocal y lo hizo cantar como solista del colegio en concursos escolares y en presentaciones de Zarzuelas con sus compañeros de promoción y lo hizo ingresar al Conservatoio Nacional de Música (Lima) a inicios del año 1990. Su voz casi educada para el canto lírico surgió en el curso de sus estudios con el maestro Andrés Santa María. Durante este tiempo, fue miembro del Coro Nacional del Perú y cantó como solista en la Misa de la Coronación de Mozart y en la Petite Messe Solennelle de Gioacchino Rossini.

Ingresó al Instituto Curtis de Filadelfia, Estados Unidos, donde estudió entre 1993 y 1996, y comenzó a cantar en producciones de ópera estudiantiles en el repertorio por el cual es conocido hoy, Rossini y óperas del Bel canto de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti. También estudió con Marilyn Horne en el Santa Barbara Academy Summer School de California. En 1994, el tenor también peruano, Ernesto Palacio, lo invitó a Italia, a participar en una grabación de la ópera de Vicente Martín y Soler, Il Tutore Burlato, y se hizo subsecuentemente maestro y mentor de Flórez.

La primera gran sensación y debut profesional de Flórez llegó con el Rossini Festival de Pesaro en 1996. Con 23 años, inicialmente iba a participar en un rol menor en Ricciardo e Zoraide y en el coro de otras, pero dejó las filas del coro para tomar el reemplazo del papel del tenor principal de Corradino en Matilde de Shabran, pues Bruce Ford estaba enfermo. Su presentación causó sensación y luego otra vez más en similares circunstancias reemplazando a Giuseppe Sabbatini. Ese mismo año hizo su debut en la Teatro de La Scala de Milán como el Cavaliere danese en Armide de Christoph Willibald Gluck. Luego siguió su debut en el Royal Opera House, Covent Garden en 1997 donde cantó el rol del Conde Potoski en una versión de concierto (y la primera moderna) de Elisabetta de Donizetti. Siguieron su debut en la Ópera Estatal de Viena en 2000 como Rinuccio en Gianni Schicchi y en la Ópera del Metropolitan en el 2002 como el Conde de Almaviva en El Barbero de Sevilla.

Ha sido premiado con el Premio Abbiati 2000 (dado por los críticos italianos al mejor cantante del año), el Rossini d'oro, el Bellini d'oro, el Premio Aureliano Pertile, el Premio Tamagno y el Premio L'Opera award (Migliore Tenore) por su actuación del 2001 de La Sonnambula en La Scala.

Firmó por Decca en 2001 y desde entonces ha lanzado cuatro CDs de recitales solistas en el sello Decca: Rossini arias que ganó el Cannes Classical Award de 2003, Una Furtiva Lagrima, ganó el Cannes Classical Award de 2004, Great Tenor Arias (2005) y Sentimiento Latino (2006), un recital con temas clásicos de la música popular latinoamericana. Los CDs han encontrado críticas positivas que ensalzan su técnica. El más común agasajo acerca de su canto es su caracterización individual total de cada rol que toma. Admira a Alfredo Kraus.

En octubre de 2003 Pavarotti declaró que el peruano Juan Diego Flórez podría ser sucesor como cantante de ópera[1] . Si bien Luciano Pavarotti le mencionó como su sucesor, tanto la crítica como el mismo Flórez han declarado que, mientras Pavarotti es un tenor lírico, Flórez es lírico-ligero, por lo que sus repertorios difieren.

El 2 de junio de 2007 Flórez cantó junto al cantante popular también peruano Gianmarco Zignago en Lima.

El 3 de junio El presidente Alan García Pérez distinguió con la Orden El Sol en el Grado de Gran Cruz a Juan Diego Flórez, por su destacada participación en el mundo de la lírica. El peruano de renombre mundial recibió la condecoración en nombre de los jóvenes que luchan por hacer realidad sus sueños, por creer en sí mismos y pensar que lo pueden lograr en un país como el Perú


Premios [editar]Premio Clásico de Cannes (2004)
Premio Abbiati (2000, mejor cantante del año)
Rossini d'Oro (2003)
Tamagno Prize (2003)
L'Opera (2003, mejor tenor)
La Órden del Sol (2007)
Echo Klassik (2007, mejor interpretación del año)[2]

Repertorio [editar]Vincenzo Bellini
I Capuleti e i Montecchi - Tebaldo
I Puritani - Arturo
La Sonnambula - Elvino
Domenico Cimarosa
Il Matrimonio segreto - Paolino (No estrenado aún)
Gaetano Donizetti
Don Pasquale - Ernesto
Elisabetta - Conde Potosky
L'elisir d'amore - Nemorino
La fille du régiment - Tonio
Maria Stuarda - Leicester
Christoph Willibald Gluck
Armide - Cavaliere danese
Franz Lehár
La viuda alegre - Camille de Roussillon
Wolfgang Amadeus Mozart
Don Giovanni - Don Ottavio (No estrenado aún)
Così fan tutte - Ferrando (No estrenado aún)
Giovanni Paisiello
Nina, o sia, pazza per amore - Lindoro
Gioacchino Rossini
Ermione - Oreste (No estrenado aún)
Il barbiere di Siviglia - Conte di Almaviva
La Cenerentola - Don Ramiro
La gazza ladra - Gianetto
L'italiana in Algeri - Lindoro (No estrenado aún)
Matilde di Shabran - Corradino
Il Signor Bruschino - Florville
Semiramide - Idreno
Le Comte Ory - Comte Ory
Otello - Rodrigo
Il viaggio a Reims - Libenskof and Belfiore
Ricciardo e Zoraide - Ricciardo (No estrenado aún)
Scala di seta - Dorvil (No estrenado aún)
Nino Rota
Il Cappello di Paglia di Firenze - Fadinard
Johann Strauss (hijo)
Die Fledermaus - Alfred
Giuseppe Verdi
Falstaff - Fenton

Discografía [editar]
Ópera [editar]Alahor in Granata Donizetti Director: Josep Pons CD: Almaviva (DS 0125) Julio 1999
Il barbiere di Siviglia Rossini Director: Ralf Weikert CD: Live performance (1997) Nightingale (NC00402) Octubre 2004
Il barbiere di Siviglia Rossini Director: Gianluigi Gelmetti DVD: Live performance (2005) Decca (074 3111 5 DH2) Noviembre 2005
La Cenerentola Rossini Director: Carlo Rizzi CD: Live performance (2000). Rossini Opera Festival e Fondazione Cassa di Risparmio di Pesaro Agosto 2001
Le Comte Ory Rossini Director: Jesús López-Cobos CD: Deutsche Grammophon (477 502-0) Agosto 2004
L'Etoile du Nord Meyerbeer Director: Wladimir Jurowski CD: Marco Polo Diciembre 1997
Falstaff Verdi Director: Riccardo Muti DVD (Region 2): DVOPFAL (TDK UK LTD) Live performance filmed in Busseto, 2001
Mitridate, re di Ponto, Mozart. Director: Christophe Rousset CD: Decca (289 460 772-2) Abril 1999
Nina o sia La pazza per amore Paisiello Director: Riccardo Muti CD: Ricordi (RFCD 2010) Julio 2000
Semiramide Rossini Director Marcello Panni CD: Nightingale Classics (NC 207013-2) 2001
Il Tutore Burlato Martin y Soler Director: Miguel Harth-Bedoya CD: Bongiovanni (GB 2175/76-2) Octubre 1995

Oratorio y música sacra [editar]Cantatas, Vol.2 Rossini Director: Riccardo Chailly CD: Decca (466 328-2 DH) Abril 2001
Messa Solenne Verdi Director: Riccardo Chailly CD: Decca (467 280-2) Diciembre 2000
Stabat Mater Rossini Director: Gianluigi Gelmetti CD: Agora (AG 161) Julio 1998
Le Tre Ore dell'Agonia del Nostro Signore Gesu Cristo Niccolo Zingarelli Director: Pierangelo Pelucchi CD: Agora (AG 018) Noviembre 1995

Recital [editar]Canto al Perú (con Ernesto Palacio) Piano: Samuele Pala CD: Bongiovanni (GB 2529-2) 1997
Rossiniana Rossini Director: Manlio Benzi CD: Agora (AG 164) Mayo 1998
Vesselina Kasarova Arias & Duets Rossini Director: Arthur Fagen CD: RCA (74321 57131 2) Marzo 1999
Rossini Arias Director: Riccardo Chailly CD: Decca 470 024-2 Enero 2002
Una Furtiva Lagrima Bellini, Donizetti Director: Riccardo Frizza CD: Decca (473 440-2 DH) Abril 2003
Juan Diego Florez: Great Tenor Arias Verdi, Gluck, Rossini Director: Carlo Rizzi CD: Decca Classics (475 618-7) Septiembre 2004
Sentimiento Latino Director: Miguel Harth-Bedoya CD: Decca (000629502) 2006
Flórez para Chabuca (con Rubén Flórez, su padre): Quadrasonic Ideas y Morrison Music & Video.

Tomás Luis de Victoria

Tomás Luis de Victoria nació en Ávila en 1548. Era el séptimo hijo de los once que llegarían a tener Francisca Suárez de la Concha y Francisco Luis de Victoria, quien murió cuando el compositor tenía tan sólo 9 años. Con 10 años, en 1558, se convirtió en niño cantor de la catedral de Ávila. Allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano, contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado bajo la dirección de los maestros Jerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera, Juan Navarro y Hernando de Isasi hasta los 18 años, en 1566.

En 1567 fue a Roma e ingresó en el “Collegium Germanicum”, fundado por los jesuitas, donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, maestro de capilla e instructor de canto y música del cercano Seminario Romano del que tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones, para perfeccionar y aprender más sobre sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.

En 1573 sucedió a su instructor en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum. En el año 1575 recibió la ordenación sacerdotal, y tres años más tarde, en el año 1578, ingresó en la Congregación del Oratorio, fundada por Felipe Neri, el sacerdote italiano y futuro santo.

En 1586 fue nombrado capellán y maestro de coro del Real Convento de las Clarisas Descalzas en Madrid, donde vivía retirada la hija de Carlos I, la emperatriz María de Austria (viuda del emperador Maximiliano II de Austria y hermana de Felipe II), por lo que dejó Roma para trasladarse a su país natal. Durante los años que ocupó este cargo, Victoria compuso pocas obras: sólo dos nuevas ediciones de misas y el Officium defunctorum a seis voces.

Durante esta época recibió ofertas de importantes catedrales españolas, pero él las rechazó todas.

Regresó a Roma en 1592 para publicar su “Missae, liber secundus”. Dos años después asistió a los funerales de Palestrina, y en 1595 regresó definitivamente a España, donde falleció en 1611 en Madrid.

Se le considera uno de los compositores más relevantes del panorama musical español de todos los tiempos.

Su obra
Es toda ella religiosa y vocal. Destacan:

Officium defunctorum.
Officium hebdomadae sanctae.
20 Misas, entre ellas: De Beata Maria Virgine, Ave maris stella, O magnum mysterium, Laetatus sum, Quam pulchri sunt, Trahe me post te.
44 Motetes, entre ellos:
O vos omnes
Gaudent in coelis animae Sanctorum
O quam gloriosum est regnum
Vidi speciosam
Senex puerum portabat
Vadam et circuibo civitatem
O Magnum Mysterium
Quam Pulchri sunt
Ne timeas, Maria
2 Pasiones: Passio secundum Joannem, Passio secundum Matthaeum.

Fallece a los 71 años Luciano Pavarotti, una de las grandes voces de todos los tiempos

El tenor italiano Luciano Pavarotti ha fallecido este jueves a los 71 años de edad, como consecuencia de un cáncer de páncreas que padecía desde hace años. La salud de Pavarotti, considerado uno de los más grandes intérpretes de todos los tiempos, se había deteriorado rápidamente en las últimas semanas. Vea dentro al tenor interpretando una de las más míticas arias de la ópera.

El triste desenlace era esperado de un momento a otro, según reconoció su representante. Luciano Pavarotti se encontraba en "condiciones gravísimas" en las últimas horas.

"Pavarotti se encuentra, al parecer en su casa, en condiciones gravísimas y es seguido con terapia de ayuda por los oncólogos del hospital de Módena", informaba este miércoles la agencia Agi en un nota emitida poco antes de las ocho de la tarde (18.00 GMT), sin citar fuentes.

El tenor, enfermo de cáncer de páncreas, fue ingresado por una infección pulmonar el 8 de agosto en el Hospital Policlínico de Módena, en el norte de Italia, y salió del mismo el pasado 25 de agosto.

Fuentes del Policlínico de Módena rehusaron hablar con la prensa y, a preguntas de Efe, un portavoz dijo que no podía dar información alguna sobre el estado del tenor. El representante artístico de Pavaortti tampoco pudo ser localizado ni respondió al teléfono.

Durante el verano de 2006, el tenor fue operado de un cáncer de páncreas, lo que le obligó a retirarse de la vida pública. El supuesto agravamiento se conoció poco después de que los medios italianos difundieran unas declaraciones de Pavarotti en las que agradecía el Premio Excelencia en la Cultura de Italia que le concedió ayer el Gobierno italiano y que, según declaró, "celebra la magia de una vida dedicada al arte". "El premio me llena de alegría y orgullo, y abraza mi larga carrera, con la que he tenido el privilegio de llevar la cultura italiana por el mundo", dijo Pavarotti.

Pavarotti apoyó las iniciativas del Teatro Alla Scala, de Milán, y del Teatro Comunale, de Módena, ambas en el norte del país, que organizarán a partir del año próximo un concurso internacional de canto que llevará su nombre y cuyo ganador podrá actuar en el templo milanés de la ópera.

"Siempre he pensado que en el entusiasmo, en la devoción y en el ánimo que transmitimos a los jóvenes está el verdadero valor y nuestra fuerza", señaló el cantante, que añadió que "compartir con los jóvenes la pasión y la experiencia es el tesoro más grande" que se les puede dejar y "la mayor oportunidad para dar un sentido a la vida".

Luciano Pavarotti, en estado muy grave

La salud del tenor italiano Luciano Pavarotti ha empeorado y se encuentra en "condiciones gravísimas", según informó la agencia italiana Agi.

"Pavarotti se encuentra, al parecer en su casa, en condiciones gravísimas y es seguido con terapia de ayuda por los oncólogos del hospital de Módena", precisó Agi.

El tenor, de 71 años, fue ingresado por una infección pulmonar el 8 de agosto en el Hospital Policlínico de Módena, en el norte de Italia, y salió del mismo el pasado 25 de agosto.

La salud del tenor ha pasado en los últimos años por momentos muy delicados. Hace poco más de un año, era operado con éxito de un cáncer de páncreas en Nueva York. Además, conocidos son sus problemas respiratorios y de tensión.

De hecho, el pasado mes de julio su hija Giuliana, fruto de su primer matrimonio con Adua Veroni, confesaba en la revista italiana 'Diva e Donna' que el mayor deseo de su padre es "reunirse con sus padres y encontrar finalmente la paz".

Al parecer, y según explicó su hija en la citada revista desde que se operó el cantante ha adelgazado 30 kilos, aunque para desplazarse necesita de la ayuda de un artilugio mecánico.

Pavarotti, que en 2005 anunciaba su retirada de los escenarios, confirmó el pasado 11 de julio que estaba grabando un nuevo disco durante una llamada por teléfono a los participantes del 'Global Film Music Festival' de la isla de Ischia.

El tenor habló brevemente por teléfono mientras su mujer, Nicoletta Mantovani, estaba sobre el escenario del festival, al que había asistido para recoger un premio otorgado a Pavarotti.

El productor del festival, Pascal Vicedomin, le animó a grabar un nuevo disco de la serie 'Pavarotti and Friends', a lo que el tenor indicó: "Ya lo estoy preparando".

Mantovani, en declaraciones a la prensa el pasado julio, dijo sobre el estado de salud de su marido que "no se puede saber qué pasará con este tipo de enfermedades", y añadió: "Creo que Luciano lo ha superado y está bien".

Nacido en la ciudad italiana de Módena, su padre era un panadero amante de la música que le impulsó a comenzar sus estudios en el mundo de la lírica en la 'Scuola Magistrale', donde trabajó como profesor de primaria después de graduarse.

Pero no fue hasta 1961, en su estreno, cuando alcanzó una popularidad que iría 'in crescendo' con el paso de los años, hasta convertirse en uno de los más afamados cantantes de ópera de la historia.

Cantarero, nueva reina de Pésaro

«La gazza ladra», de G. Rossini. Mariola Cantarero, Dmitry Korchak, Alex Esposito, Michele Pertusi, Manuela Custer. Coro de Cámara de Praga. Orchestra Haydn di Bolzano e Trento. Dirección musical: Lü Jia. Dirección escénica: Damiano Michieletto. Adriatic Arena.

Mariola Cantarero se presentó en el Festival de Pésaro en 2001 como Condesa de Foleville en «Il viaggio a Reims», dentro de las actividades de la Accademia Rossiniana. Después de asumir roles menores, en 2004 incorporó en «Elisabetta, regina d’Inghilterra» el personaje de Matilde, la rival de la monarca británica. Pero ha sido en 2007 cuando la soprano granadina ha alcanzado su consagración definitiva como protagonista de la nueva producción de «La gazza ladra», una de las creaciones más atípicas del genio pesarés, que comienza en clave de inofensiva comedia para alcanzar progresivamente momentos de una gravedad casi insostenible. En el papel de Ninetta, la infeliz muchacha que, para no delatar a su padre, perseguido injustamente por motivos políticos, es capaz de asumir su propia condena por un robo que no ha cometido -y que finalmente se demostrará que fue cometido por una impertinente urraca-, somete a la cantante a notables cambios de tesitura, exigentes agudos y una resistencia casi sobrehumana en un agotador papel que está casi cuatro horas en escena, y que la artista defendió con una seguridad, rigor estilístico y preparación técnica admirables. Una labor premiada con atronadoras ovaciones y un «pateo» comparable al obtenido por Juan Diego Flórez en «Otello».
La artista es, sin duda, una de las favoritas del Festival (este año asume también la comprometida parte de Ceres en la cantata «Las bodas de Tetis y Peleo»), y estuvo rodeada de un estupendo elenco, destacando los bajos Michele Pertusi, que hizo del malvado Mayor de la aldea un rijoso antecesor del Scarpia de «Tosca», y Alex Esposito como Fernando, el proscrito padre de la joven, así como el tenor ruso Dmitry Korchak en un sensible y musical Giannetto, prometido de la muchacha.
Dinamismo espectacular
La mezzo Manuela Custer como Pippo, su fiel amigo, tiene con ella un conmovedor dúo en la prisión, que nos hizo evocar algunos momentos mágicos en la historia de la interpretación rossiniana. La producción (que ofrecía la obra en su absoluta integridad, alcanzando una duración casi wagneriana) sirvió de vehículo de presentación también al joven director escénico italiano Damiano Michieletto (conocido en España por su excelente trabajo en «Il dissoluto punito», de Carnicer, en La Coruña), que no ha podido tener un debut más afortunado en el Festival, y ha conferido a la obra un dinamismo espectacular. La ópera está contemplada como el sueño de una niña (la bailarina india Sandhya Nagaraja), que durante la obertura realiza las más increíbles acrobacias, antes de convertirse en la propia urraca. Una serie de inmensos tubos sirven tanto como paredes de la hostería como en amenazadores cañones en el impactante final del primer acto, así como en los muros de la prisión en el segundo acto. La escena crucial del juicio está resuelta con la imponente aparición de los magistrados por una pasarela que baja de la embocadura del escenario, y la estremecedora marcha al cadalso es acompañada por un paisaje de velas. El maestro chino Lü Jia, director musical de la Arena de Verona, mostró una sorprendente afinidad con estos pentagramas, proponiendo una lectura vibrante que tuvo su perfecta transmisión en los jóvenes y entregados músicos de la Orquesta Haydn de Bolzano y Trento.

Duelo de tenores en Pésaro

«Otello», de Gioachino Rossini.
Gregory Kunde, Olga Peretyatko, Juan Diego Flórez, José Manuel Zapata, Maria Gortsevskaya. Coro de Cámara de Praga. Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia. Dirección musical: Renato Palumbo. Dirección escénica: G. del Monaco. Adriatic Arena, 14–VIII–2007.

Hay pocas óperas como el «Otello» de Rossini que cuenten con tres papeles principales para tenor, lo cual puede convertir la representación en una verdadera lucha por conseguir la aclamación del público. Esto fue lo que ocurrió el pasado martes en el Festival de Pésaro. La representación iba discurriendo por los cauces de la más absoluta corrección hasta que durante el acto segundo, el tenor peruano Juan Diego Flórez (intérprete de Rodrigo, el rival del protagonista por el amor de Desdémona) atacó su aria «Che ascolto! Ahimè, che dici», lo que provocó el delirio del público. Pero el norteamericano Gregory Kunde (a quien siempre le toca lidiar los peores toros) no estaba dispuesto a dejarse achantar, y dejó bien claro quién era el titular de la ópera, con una exhibición de agudos y una firmeza en los ataques desconocidas en él. En el papel de Cassio estaba previsto el regreso del veterano Chris Merritt, pero una enfermedad le ha obligado a abandonar las funciones después del estreno, a quien ha sustituido por el granadino José Manuel Zapata, que se defendió con mucha valentía y perfecto estilo. Una auténtica sorpresa fue la soprano rusa Olga Peretyatko, una Desdémona de muchos quilates por su dominio de la coloratura, la seguridad de los sobreagudos y, sobre todo, su vivencia del infortunado personaje. En los papeles menores destacó la cálida Emilia de la mezzosoprano Maria Gortsevskaya. La anterior producción de la obra databa casi de hace dos décadas, y entonces Pier Luigi Pizzi decoró el drama con una de sus más hermosas escenografías. La nueva producción de Giancarlo del Monaco, que hacía su presentación en el Festival, es radicalmente opuesta. El coro, una masa roja El director de escena italiano ha situado la acción en un opresivo paisaje surrealista lleno de puertas sobre las que está pintado un mar a lo Magritte, que se abren y se cierran a modo de pesadilla de Desdémona, quien finalmente encontrará en una de ellas su ataúd (en esta edición se ha decidido utilizar el final trágico y no el feliz, con la muerte de los dos protagonistas, con lo que la ópera gana infinitamente en cuanto a vigor teatral). Hay momentos particularmente bellos, como las apariciones del coro en unos podios laterales a modo de gran masa roja que comenta la acción, mientras que toda la producción revela un minucioso intento por dotar de verosimilitud psicológica a los caracteres. Al frente del excelente Coro de Cámara de Praga y una magnífica Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia, Renato Palumbo supo crear un auténtico drama, además de contribuir a la siempre agradecida fiesta vocal rossiniana.

Peter Schreier

Peter Schreier (nacido el 29 de julio, 1935) es un tenor y director de orquesta alemán. Ha sido cantante de ópera, de oratorios y de lieder.

Primeros años
Schreier nació en Meissen, Sajonia, y pasó sus primeros años en el pequeño pueblo de Gauernitz, cerca de Meissen, donde su padre era profesor, cantor y organista. En junio de 1945, cuando casi tenía diez años, y justo unos meses después de la destrucción de Dresde, ingresó en el internado del famoso coro de niños de Dresde, el Kreuzchor (Coro de la Kreuzkirche o Iglesia de la Cruz). El coro se acababa de restablecer. El joven Peter y otros miembros del coro y maestros vivían en una bodega en los alrededores de Dresde.

El director del Kreuzchor, Rudolf Mauersberger, enseguida reconoció el gran talento de Peter Schreier. Le permitió cantar como solista e incluso creó composiciones especialmente adaptadas a la voz infantil de Peter. Se pueden encontrar grabaciones de esta época en disco compacto.

Schreier tenía dieciséis años cuando le cambió la voz, y entonces se convirtió en tenor, tal como había deseado, debido a los papeles de Evangelista en la música de Johann Sebastian Bach. Decidió convertirse en un cantante profesional, para lo cual recibió lecciones de canto, primero de forma privada y después en la Academia de Música de Dresde; también estudió canto coral y dirección de orquesta.

Peter Schreier ha vivido en Dresde desde 1945, en el distrito de Loschwitz en la orilla derecha del río Elba.


Carrera musical
Cantante de opera
Peter Schreier debutó profesionalmente en agosto de 1959, en el papel de Primer Prisionero en la opera Fidelio de Beethoven. En los años siguientes, triunfó como Belmonte en El rapto en el Serrallo y un poco más tarde, como Tamino en La flauta mágica, ambas óperas de Mozart.

En 1963 fue contratado por la Ópera Estatal de Berlín en Unter den Linden. Desde 1966 fue durante muchos años invitado anual de la Ópera Estatal de Viena. Ese mismo año debutó en el Festival de Bayreuth como joven marinero en Tristán e Isolda con Karl Böhm como director. Durante veinticinco años, desde 1967, intervino en la programación del Festival de Salzburgo.

También canto el papel de Loki en El oro del Rin de Wagner. Para él, fue muy importante cantar el papel titular de Palestrina, la opera compuesta por Hans Pfitzner, no sólo en Munich sino también en Berlín Este, un tema que suscitó controversia en aquella época en Alemania Oriental. Su encarnación en la ópera de Pfitzner está entre sus más impresionantes aciertos en la escena operística.

Con Theo Adam, frecuente compañero en escena y en el estudio de grabación, Peter Schreier fue el cantante de música clásica más célebre de la República Democrática Alemana, y tuvo el privilegio de viajar a Occidente en todo momento. Por ello pudo interpretar tanto en el Metropolitan Opera (donde debutó como Tamino) como en La Scala, el Covent Garden o en el Teatro Colón, por no hablar de Viena, Salzburgo, Bayreuth o Berlín Occidental.

En junio de 2000, Schreier se despidió de los escenarios. Su ultimo papel fue el del príncipe Tamino en La flauta mágica; declaró que ya no podía actuar más como si fuera aún un joven príncipe. Puso punto final a su carrera como cantante el 2 de diciembre de 2005, combinando los roles de Evangelista y director de orquesta en una interpretación del Oratorio de Navidad de Bach en Praga.

Lied
A lo largo de su carrera, Schreier fue famoso como cantante de lieder alemanes, incluyendo las canciones de Schubert y Schumann.

Director de orquesta
Desde 1970 Schreier ha sido también director de orquesta, con un interés especial en las obras de Mozart, J.S. Bach y Haydn. A lo largo de su carrera como cantante, en las interpretaciones de oratorios de Bach, a menudo combinó los papeles de Evangelista y director de orquesta.

Su interpretación de la Pasión según San Mateo (en la cual asume igualmente el rol de Evangelista) se caracteriza por un conocimiento íntimo de los menores detalles de la partitura, aunque con cierta rigidez y sequedad.


Valoración
Particularmente en sus últimos años, Schreier posiblemente no ofrezca la más bella de las voces de tenor, sobre todo si se compara con algunos contemporáneos suyos como Fritz Wunderlich.

Es un tenor lírico, de voz ligera, flexible y expresiva, encantador. Más bien, es su inteligencia y la belleza de su expresión musical, así como la intensidad con la que proyecta el significado del texto, lo que le ha asegurado su reputación.

Por ejemplo, la Penguin Guide to Compact Discs dice que la grabación de Schreier de El canto del cisne, de Franz Schubert, "la voz de Schreier puede que no siga siendo bella bajo presión, pero… la amplitud de su tono y la intensidad de inflexión sobre el significado de las palabras, hacen de esta grabación una de las más atractivas de todos los tiempos." De su grabación del Viaje de invierno de Schubert, los mismos autores dicen "esta es una lectura intensamente envolvente, con cambios de humor vívidamente representados, positivos, electrizantes."

Ha obtenido su reputación como intérprete de clásicos alemanes y austriacos, como J. S. Bach, Georg Friedrich Haendel, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Richard Wagner, Gustav Mahler, Carl Orff y Paul Dessau. Ha interpretado a compositores, tanto grandes como de menor importancia, del Romanticismo y postromanticismo alemanes.

Ha dejado una de las discografías más abundantes del siglo XX, sin otro rival en el registro de tenor más que Nicolai Gedda.


Premios/Distinciones
Premio Nacional de Primera Clase de la GDR
Bundesverdienstkreuz (Premio de la República Federal de Alemania)
Premio Musical Leonie Sonnings, Copenhague
Premio "Ernst von Siemens"
Miembro honorario de la Musikverein Wien (Sociedad Musical de Viena)
"Wiener Flötenuhr"
Premio "Georg Philipp Telemann"
Premio de la Música sacra europea
Título de "Kammersänger" (un título conferido a cantantes de mérito destacado) por los gobiernos de la GDR, Baviera y Austria
Ciudadano de honor de la ciudad de Meissen por sus esfuerzos en recaudar fondos para la restauración de la ciudad.

Piotr Ilich Chaikovski

Piotr Ilich Chaikovski (en ruso Пётр Ильи́ч Чайко́вский) (Nótese que su segundo nombre se pronuncia ilích y no ílich); Votkinsk, 7 de mayo de 1840 - San Petersburgo, 6 de noviembre de 1893 es uno de los compositores rusos más importantes del siglo XIX. A veces se puede encontrar su nombre transcrito del alfabeto cirílico en versiones similares a la francesa e inglesa (Tchaikovsky) o alemana (Tschaikowski).

Biografía

Según el calendario gregoriano nació el 7 de mayo de 1840 en la ciudad rusa de Votkinsk, centro minero e industrial al este de Moscú, cerca de los montes Urales, en el seno de una familia con origen ucraniano. Según el calendario juliano (que en esa época se seguía empleando en Rusia), nació el 25 de abril. Su padre, Iliá Petrovich, ingeniero minero, trabajaba allí a cargo de una importante mina. También residieron varios años en Alapaevsk. La familia vivía al estilo de los grandes terratenientes de la época, tenía una casa imponente y un gran personal a su servicio. Las fuentes rusas mencionan que incluso tuvo bajo sus órdenes una compañía de cien cosacos. Iliá Petrovich casó en segundas nupcias con Aleksandra Adreyevna d'Assier, una aristócrata de origen francés, bella y refinada. De esta unión nacieron seis hijos, de los que Piotr Ilich fue el segundo. Otras fuentes indican que Chaikovsky tuvo cuatro hermanos: Módest, Ippolit, Aleksandra y Anatoli.

Su niñez

En sus primeros años tuvo como institutriz a Fanny Dürbach, de origen suizo. Inicialmente esta institutriz fue elegida para dar las primeras lecciones a los hermanos mayores de Piotr Ilich, pero éste con apenas cuatro años y medio, insistió para que a él también le dieran las primeras lecciones y así lo determinó su padre. La institutriz permaneció en casa de Piotr Ilich durante cuatro años, que para el pequeño fueron “un extraordinario periodo de rápido desarrollo mental”.

A los seis años, el pequeño hablaba perfecta y fluidamente el francés y el alemán. Fanny quedó encantada con este niño que además era muy sensible, y cada vez que era regañado quedaba muy afectado. Ello llevó a la institutriz a darle el apelativo de “criatura de porcelana”. Tenía especial capacidad para la música y aprendió a tocar el piano; tan concentrado se mantenía cada vez que tocaba dicho instrumento, que luego quedaba con frecuencia exhausto, nervioso e insomne.

Muerte de su madre

Piotr adoraba a su madre, pero, en 1854, el cólera la mató. Para el joven Piotr fue un golpe durísimo. Se dice que de ella Piotr “heredó el carácter neurótico y que al crecer le fue imposible acercarse a otras mujeres porque la había idealizado demasiado”. A lo largo de su vida Chaikovski mantendría relaciones platónicas con dos mujeres mayores que él y se mantendría muy unido a su hermana Aleksandra y a sus hermanos Ippolit, Módest y Anatol.

Sus estudios

Chaikovsky empezó a estudiar música desde pequeño. A los cuatro años participaba en las clases de piano que recibía su hermano mayor y, a los siete, empezó a tomar lecciones, primero de un maestro local y más tarde de un profesor de Moscú, ciudad a la que se mudó la familia en el año 1848. En 1850, la familia decidió que el joven Piotr estudiara derecho y lo inscribieron en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo, en donde permaneció hasta graduarse de abogado. Paralelo a sus estudios de derecho, continuó sus estudios de piano. A los 19 años Piotr Ilich se convirtió en funcionario del Ministerio de Justicia. El empleo le permitió tener cierta independencia económica. Por esa época frecuentaba lugares frívolos y teatros, no siempre de buena fama, pero también a óperas y ballets.

La música

En 1861 realiza su primer viaje al extranjero: estuvo tres meses en Francia y Alemania. En ese viaje tuvo tiempo de reflexionar sobre su futuro y en 1862, a los 22 años, se matriculó en el Conservatorio de San Petersburgo, que dirigía Anton Rubinstein. Ahí estudió composición, armonía y contrapunto. Sus nuevos estudios lo absorbieron tanto que pronto fue incompatible con su trabajo en el Ministerio. Decidió renunciar a su empleo y dedicarse por entero a la música. Para tener ingresos económicos, tuvo entonces que dedicarse a dar clases de piano y solfeo.

Su paso de alumno a profesor

El nacionalismo musical en Rusia fue creado por Mijaíl Glinka (1803-1857). Consistía en la “necesidad de inspirarse en temas populares y folclóricos para crear una música auténticamente nacional y libre de influencias extranjeras”. Por aquella época, el legado de Glinka fue recogido por el “Grupo de los Cinco” (Mili Balakirev, Aleksandr Boródin, César Cui, Módest Mússorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov), a los que conoció en 1868. A raíz de este contacto Chaikovsky compuso algunas obras nacionalistas como la Sinfonía Nº 2 “Pequeña Rusia” en 1872. Las relaciones de Chaikovsky con el Grupo de los Cinco nunca fueron estrechas, ya que él tenía una preparación de Conservatorio, cosa que los nacionalistas rechazaban; además la inspiración de Chaikovsky buscaba temas que no siempre eran rusos; sin embargo los unía su amor por la música de Glinka.

El reconocimiento a su obra

Entre 1869 y 1875, la carrera de Chaikovsky se consolida, lo que le proporcionó cierta estabilidad económica; su temperamento, sin embargo, era inestable, siempre oscilante entre la euforia y la depresión. En esta época compuso la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Cuarteto para cuerdas Nº 1, el Concierto para piano Nº 1, las sinfonías 2 y 3, la ópera Oprichnik y el célebre ballet El lago de los cisnes (estrenado el 4 de marzo de 1877).

Vida sentimental

En octubre de 1869, una compañía de ópera italiana, hizo presentaciones en Moscú. Su estrella principal era la soprano belga Desirée Artôt, quien hizo amistad con Chaikovsky; sin embargo, el compositor se enamoró platónicamente: “Rara vez he encontrado a una mujer tan amable, buena e inteligente”, comentaba en una carta a su hermano Módest. A pesar de frecuentarla, a los pocos meses Desirée se casó con otro y pronto Chaikovsky la olvidaría y se dedicaría a componer su primera ópera: “El Vóivoda”. Ya por esta época Piotr Ilich Chaikovsky poseía fama y con ella también se desataron las envidias y habladurías: había llegado a ser un compositor reconocido pero también en forma soterrada, los comentarios sobre su homosexualidad, comenzaron a circular por la sociedad moscovita de la época.

En marzo de 1877, cuando se encontraba componiendo su ópera Eugenio Oneguín, Chaikovsky recibió una carta de amor de una desconocida, a la que siguieron otras apasionadas misivas. Ella, Antonia Miliukova, le decía que había sido su alumna, pero como Chaikovsky no la recordaba no contestó ninguna de las cartas que recibía de ella. Pero cuando ella amenazó con matarse si Chaikovsky no le contestaba, entonces el compositor la visitó. Le pareció "agradable, con una mediana educación", y decidió casarse para satisfacer al padre que lo presionaba, para acallar todo rumor sobre su homosexualidad y para cumplir con su destino.

Matrimonio

Chaikovsky y Antonina Miliukova se casaron el 18 de julio de 1877. Él tenía 37 años y ella 28. Antonia resultó ser una mujer desequilibrada. Pesó en la decisión de matrimonio del compositor la creencia que con el matrimonio podría "superar" su tendencia homosexual, pero se equivocó: la unión física no llegó a consumarse.

Luego de dos meses de sufrimientos de la pareja, y tras intentar el suicidio, Chaikovsky decidió separarse y marchó a Suiza a reponerse del trauma psíquico. Diecinueve años después, en 1896, fue ingresada en un psiquiátrico en el que permaneció hasta su muerte en 1917.


Nadiezhda von Meck

Poco antes de conocer a Antonina Miliukova, Chaikovsky conoció a una mujer muy diferente, que luego sería su segundo amor platónico. En 1876, el compositor inició una relación epistolar con Nadiezhda von Meck, “mayor que él, viuda rica, madre de doce hijos y mujer culta”. Cierta vez, ella asistió a un concierto donde se tocó música de Chaikovsky y se enamoró de su música. Ella le propuso donarle sumas de dinero para que él pudiera dedicarse a componer sin preocupaciones económicas. Chaikovsky aceptó la proposición. Entre ambos se estableció una relación platónica a la vez que económica, pero sólo por cartas. Uno de los frutos de esta relación fue la Sinfonía Nº 4, que el compositor le dedicó.

Todo marchó bien hasta diciembre de 1890, fecha en que ella rompe bruscamente la relación. Ella arguyó que estaba en bancarrota; sin embargo ello no fue cierto. Se dice que Nadezhda creía que era amada por Chaikovsky; sin embargo, escuchó las murmuraciones sobre la supuesta homosexualidad de él y éstas la disuadieron de continuar con la relación. Lo real es que esta ruptura fue un duro golpe para el músico. La relación epistolar se había prolongado durante 13 años, tiempo en el cual nunca hablaron en persona. A pesar de la ruptura, Nadezhda, siguió la carrera de Chaikovsky. Curiosamente, ella murió apenas dos meses después de la muerte del compositor.

Los mejores años

Entre 1880 y 1890, Chaikovsky vivió sus mejores años. Con la ayuda de Nadezhda von Meck, más el aporte económico de sus obras, pudo dedicar todo su tiempo a componer y a viajar. Abandonó el Conservatorio y pasaba largas temporadas en la casa campestre de su hermana Aleksandra, en Kemenk. Realizó varios viajes y giras por Alemania, Francia, Gran Bretaña e Italia. Fue una época de gran estabilidad emocional.

De la primera mitad de esta década datan obras como la Obertura 1812, la Serenata para cuerdas, el Capricho italiano, el trío “En memoria de un gran artista” (en honor a Nikolái Rubinstein) y la sinfonía Manfred. En 1885, compró una casa de campo en Klin, entre Moscú y San Petersburgo.

Figura internacional

A partir de 1885, la fama de Chaikovsky como compositor creció extraordinariamente en Rusia y en el resto de Europa e incluso traspasó el Atlántico hasta Estados Unidos de Norteamérica. El zar Alejandro III le concedió la Gran Cruz de San Vladímir, que lo reconocía como compositor oficial, y más aún, le dio su amistad. En 1887 Chaikovsky debutó como director. Varios críticos entre ellos el compositor francés Saint-Saëns, lo declararon el más genial de los compositores rusos. En 1890, fue invitado a inaugurar el auditórium Carnegie Hall de Nueva York y, en 1893, fue miembro de honor de la Academia Francesa y doctor honoris causa de la Universidad de Cambridge.

Sus últimas composiciones

A pesar de sus éxitos y a raíz de su ruptura con Nadezhda von Meck, en 1890, Chaikovsky volvió a sus periodos de depresión. Pero su actividad creadora no se interrumpió y a pesar de sus cambios, compuso la Suite Mozartiana, la Sinfonía Nº 5, La bella durmiente del bosque y la ópera Yolanda y sus dos obras más famosas: el ballet El Cascanueces y la Sinfonía Nº 6 “Patética”. Acerca de esta sinfonía, Chaikovsky escribió: “La quiero como no he querido nunca a ninguna de mis partituras… No exagero, toda mi alma está en esta sinfonía”.

Muerte del músico [editar]

Durante mucho tiempo se ha sostenido que tres días después del estreno de la Sinfonía Nº 6 “Patética”, a fines de octubre de 1893, Chaikovsky se sintió mal, se negó a comer y bebió un vaso con agua no hervida, a pesar que en San Petersburgo se había declarado una epidemia de cólera. Chaikovsky era un gran compositor, pero mal perdedor, y lo que hizo no fue otra cosa que un suicidio. El 3 de noviembre se supo que había contraído la enfermedad, de la que murió el día 6, a los 53 años. En Rusia fue muy sentida su muerte, al extremo que el zar ruso declaró: “Tenemos muchos duques y barones pero un solo Chaikovsky”.

Desde 1978 la investigación de la musicóloga Aleksandra Orlova sostiene otra hipótesis sobre su muerte. Da por seguro el suicido con arsénico. La causa más probable de ésta decisión es la denuncia de un aristócrata por la relación homosexual del compositor con su sobrino. El duque escribió una carta al zar denunciando al compositor, pero la carta llegó a las manos de un importante senador que había estudiado con Chaikovsky en la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo. Espantado, mandó formar una corte para juzgarlo; Chaikovsky fue citado, juzgado y sentenciado[cita requerida]. La corte acordó que sólo había un camino para salvar el honor de todos: Chaikovsky debía suicidarse. Entonces él se envenenó bebiendo arsénico. Este hecho habría sido ocultado para no dañar la imagen de un héroe nacional. Así lo recoge el Diccionario Grove desde la edición de 1980 [cita requerida].

De cualquier forma el autor Alexander Poznansky ha rebatido esta versión de Orlova, y para muchos autores las causas de la muerte del compositor siguen siendo inciertas.

Johannes Brahms

Johannes Brahms (7 de mayo de 1833 - 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán de música clásica del romanticismo.

Inicios

Nació en Hamburgo, hijo de Johann Jakob Brahms un contrabajista, que le dio sus primeras lecciones de música y Hersika Cristina Nissen. Pronto Brahms se reveló como pianista aventajado, por lo que, siendo aún adolescente, contribuyó a los gastos familiares con el dinero que ganaba impartiendo clases, tocando el piano en restaurantes, bares, e incluso burdeles.

Brahms dio recitales de piano en público pero no tuvo el éxito deseado, aunque más tarde tocaría él mismo en los estrenos de sus dos Conciertos para piano. Comenzó a componer y durante un tiempo tampoco consiguió que el público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos con un músico afamado en aquella época. Durante el viaje tuvo ocasión de conocer a Franz Liszt y a Robert Schumann. Este último, además de compositor era editor de una revista prestigiosa de música, y atrajo la atención de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor conocido y apreciado.

Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los días de Schumann, el vínculo más destacable fue el que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Nunca se llegó a aclarar la relación entre ambos a pesar de producirse un distanciamiento del que no se conocen los motivos.

Traslado a Viena

En 1862 Brahms se instaló con carácter definitivo en Viena, donde se dedicó por completo a la composición. Durante casi 30 años compuso obras musicales que han llegado a formar parte del repertorio esencial de la música clásica romántica, y que ya durante la vida de Brahms fueron acogidas muy favorablemente, de forma que se le consideró como uno de los grandes compositores de su época. Su primer éxito importante lo tuvo con Un Requiem alemán, una gran obra coral. La acogida dispensada por el público le animó a iniciar la composición de su Sinfonía nº1, que tardó diez años en escribir. Acabada en 1876, compuso sus otras tres sinfonías en el transcurso de los ocho años siguientes.

A la edad de 57 años Brahms decidió abandonar la composición. Sin embargo, no fue consecuente con su decisión, ya que unos años antes de su muerte compuso todavía algunas de sus mejores obras, como las dos Sonatas para clarinete y las cuatro Canciones serias.

Muchos han considerado a Brahms como sucesor de Beethoven, y su primera sinfonía fue apodada décima sinfonía de Beethoven. Además de las ya citadas obras, compuso otras también muy apreciadas, como el Concierto para violín y diferentes Variaciones, género que cultivó con especial maestría. Fue prolífico en la composición de música de cámara y de piezas para piano sólo, así como de canciones.

Como la mayoría de los compositores románticos, Brahms veneraba a Beethoven, quien ejerció una marcada influencia en él. Pero también sintió una gran admiración por los grandes compositores de la época clásica, Mozart y Haydn. Coleccionaba primeras ediciones de sus partituras y autógrafos, e incluso editaba partituras de las obras que se representaban habitualmente. Su identificación con la música del periodo clásico fue tanta que incorporó a muchos movimientos de sus obras las formas de aquella música. Por ello a Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos.

En su trabajo Brahms fue un perfeccionista. Una muestra de ello es el hecho de que tardase tantos años en acabar su primera sinfonía. Algunos expertos opinan que esa sinfonía en realidad no fue la primera, ya que la primera no había llegado a salir a la luz por no sentirse Brahms satisfecho con ella. Lo que es cierto es que Brahms rompía con cierta frecuencia nuevas composiciones que no estaban a la altura de sus exigencias.

Como persona Brahms fue amante de la naturaleza. En sus paseos por los bosques que rodean Viena llevaba siempre caramelos que repartía entre los niños. Hacia los mayores era más bien hosco, aunque sus amigos le apreciaban sinceramente. Brahms nunca llegó a casarse. Murió a los 64 años de edad en Viena, como consecuencia de un cáncer de hígado.

Muere el violonchelista y director de orquesta ruso Mstislav Rostropóvich a los 80 años

El violonchelista y director de orquesta ruso Mstislav Rostropóvich ha muerto este viernes en un hospital de Moscú a la edad de 80 años, según ha informado su portavoz, Natalia Dolezhal. El músico –premio Príncipe de Asturias de la Concordia de 1997 y viejo amigo de la Familia Real, sobre todo de Doña Sofía– era considerado el mejor violonchelista de su generación y había sido ingresado el pasado 12 de abril en el Centro Oncológico de la capital rusa, donde fue sometido a una intervención quirúrgica de urgencia. En 1974 tuvo que abandonar la Unión Soviética al serle retirada su nacionalidad tras defender públicamente a un escritor contrario al régimen comunista soviético.

Tras ser intervenido, los médicos –citados por el diario Komsomolskaya Pravda– señalaron que "la operación era inminente, pues, sobre el trasfondo de la grave enfermedad, al maestro le han surgido serios problemas del hígado y el intestino".

Para llevar a cabo la intervención fue invitado el médico alemán Hans Schmoll, quien desde el aeropuerto acudió directamente al concilio de expertos, donde acordó con sus colegas rusos que el paciente debía ser operado con urgencia. Los médicos coincidieron entonces en señalar que la operación fue un éxito pero, no obstante, Rostropóvich superaba con mucha dificultad la nueva intervención. "Está tan débil que los médicos se niegan categóricamente a hacer pronósticos", añadió entonces el rotativo.

Era ya la segunda hospitalización en tres meses a la que se sometía el gran músico. La primera se produjo después de que se sintiera mal en diciembre pasado y fue dado de alta el 6 de marzo, en vísperas de su octogésimo cumpleaños.

Con motivo de sus 80 años, Rostropóvich fue condecorado por el presidente ruso, Vladímir Putin, con la Orden al Mérito "por su contribución al desarrollo de las artes musicales en todo el mundo y sus muchos años de actividad creativa". Entre sus numerosos galardones también figuran la Legión de Honor de Francia, los premios soviéticos Stalin y Lenin, el reconocimiento anual de la Liga para los Derechos Civiles, Caballero Honorario del Imperio Británico.

Rostropóvich es considerado un defensor de las libertades civiles y artísticas, como cuando acogió durante cuatro años en su domicilio al escritor disidente soviético Alexander Solzhenitsin, posteriormente premio Nobel de Literatura en 1975.

Rostropóvich: Una larga y calurosa amistad con España y la Familia Real

Habitual de los auditorios y festivales españoles, y viejo amigo de la Familia Real, sobre todo de Doña Sofía, el violonchelista Mstislav Rostropóvich, fallecido este viernes a los 80 años, mantuvo una larga y afectuosa relación con España, que vio correspondida con calurosos aplausos y numerosos reconocimientos.

Poseedor de la encomienda de la Orden de Carlos III, una de las más importantes condecoraciones españolas que se otorga a personalidades extranjeras, y Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 1997 –galardón que compartió con el violinista Yehudi Menuhin–, Rostropóvich siembre hablaba de "su querida España", país que conoció todavía bajo el régimen franquista.

"Aún en tiempos de Franco visité muchas veces España, así que he tenido la oportunidad de ver cómo fue cambiando la vida del maravilloso pueblo español, cómo paulatinamente fue quedando atrás la división y cómo España se fue cohesionando bajo las consignas de amistad y fraternidad", afirmaba el músico ruso.

Aunque decía que el chelo se ponía "muy celoso de la batuta", Rostropóvich viajó como instrumentista y director por todos los rincones de España para llevar su música por el Auditorio Nacional de Madrid, el Festival de Perelada o el Palau de la Música de Valencia, que le concedió su primera Medalla en 1997, y que él agradeció, en español y con un emotivo "os quiero".

Entre sus seguidores, la Reina, con quien mantenía una larga amistad desde sus años de juventud como Princesa griega, y que quedó reflejada en numerosa ocasiones. Doña Sofía asistió en Moscú en mayo de 2005 a las bodas de oro del violonchelista y la soprano Galina Vishnevskaya y estuvo muy cerca de él cuando regresó a Rusia en 1990 tras 16 años de exilio, acompañándolo en los conciertos que ofreció en Moscú y San Petersburgo.

Él tampoco faltó en los momentos importantes de la Familia Real, y, por ejemplo, la primera aparición pública del Príncipe de Asturias y su entonces prometida, Letizia Ortiz, tuvo lugar en un concierto en el Teatro Real que Rostropovich ofreció en honor de los Reyes. Entonces, actuó en su doble condición de director de orquesta y violonchelista, algo que sólo ocurría en "ocasiones muy especiales" por el gran esfuerzo que precisaba.

Rostropovich reconocía que los Reyes de España siempre le habían acompañado en los momentos difíciles de su vida. "Cuando me echaron de la Unión Soviética fue la mayor tragedia de mi vida, una tragedia que duró diecisiete años. Ahí estuvieron los Reyes, apoyándome", dijo. Él alababa así a Don Juan Carlos: "posee una sorprendente amplitud de criterios y una gran sabiduría, que le permite conjugar la sencillez en la comunicación con un gran sentido de la dignidad y la responsabilidad de su alta posición".

El también violinista tenía amistad con otras personalidades españolas, entre ellas, la presidenta de la Fundación Albéniz, Paloma O'Shea, con quien colaboró en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. "Estoy feliz, inmensamente feliz", declaró en conversación telefónica con EFE cuando supo el 23 de mayo de 1997 que había sido galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. Ese día se encontraba visitando algunos poblados de las estepas de la frontera con Kazajistán, zona a donde fue evacuado junto con su hermana Verónica durante la Segunda Guerra Mundial y donde actuaba en los hospitales ante los heridos.

Defensor de las libertades humanas y artísticas del mundo, siempre confió en la paz, tal y como reveló en una de sus últimas comparecencias ante los medios de comunicación españoles, en 2005. "Creo en Dios y creo que Dios nos va a ayudar, además estoy convencido de que nos merecemos su ayuda", dijo con rotundidad.

Michael Kamen

Michael Kamen (15 de abril de 1948 - 18 de noviembre de 2003), compositor estadounidense (especialmente de bandas sonoras), arreglista, letrista, y músico de sesión.

Kamen nació en la ciudad de Nueva York, y estudió en The New York High School of Music & Art y, más tarde en Juilliard's School for Music Dance and Drama de Nueva York, donde aprendió a tocar el oboe.

Trabajó brevemente con Leonard Bernstein, tras actuar con su grupo de rock en uno de los conciertos para jóvenes de Bernstein.

Cabe destacar sus colaboraciones con Pink Floyd, David Gilmour, Roger Waters (es una de las pocas personas invitadas a trabajar con los dos miembros de Pink Floyd, tras su amarga separación), Eric Clapton, David Bowie, Metallica, Herbie Hancock y Bryan Adams.

Kamen escribió once ballets y es el autor de la música de las películas Brazil, Robin Hood, príncipe de los ladrones, Licencia para matar, Stonewall, X-Men y de las series de películas Arma letal y La jungla de cristal. Fue candidato a dos premios Oscar y ganó tres premios Grammy, dos Globos de oro, dos premios Ivor Novello, un Annie y un Emmy.

En 1990 participó con muchos más invitados en la colosal representación de Roger Waters de The Wall en Berlín.

En 1997 a Kamen se le diagnosticó esclerosis múltiple, pero en 2003 murió de un ataque al corazón.

Montserrat Caballé

Maria de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folc (Barcelona, 12 de abril de 1933) es una cantante de ópera española. Es reconocida por su técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio bel cantístico. Es una de las más admiradas cantantes de opera de todo el mundo.

Biografía

Estudia 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.

Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.

Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.

Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Ópera del Metropolitan con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972, debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.

En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.

En 1986 interpretó un pequeño papel en la película Romanza final (Gayarre) dirigida por José María Forqué.

Montserrat Caballé canta más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha cantado roles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.

Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianisimos.

En los últimos años, se ha dedicado a varias actividades benéficas. Es embajadora de buena voluntad de la UNESCO, y crea una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona.

En 2006 actúa en Valencia frente al papa Benedicto XVI, en compañía de José María Cano, con una composición de este último.

Su hija, Montserrat Martí, también es cantante y ocasionalmente se presentan juntas, como en 2004 en el Teatro Real, en la versión en concierto de la ópera Cleopatra de Massenet.

Concierto del día: Misa en Fa Menor de Anton Burckner

Con la presencia del Orfeón Donostiarra, la Orquesta Sinfónica de Galicia interpreta el miércoles 4 de abril la Misa en fa menor de Anton Bruckner, bajo la batuta de su director titular Víctor Pablo Pérez y dentro de su programación de abono en La Coruña. La monumental obra sinfónico-coral de Bruckner estará servida también por un cuarteto vocal de primera línea internacional, formado por la soprano Katherine Müller, la mezzo Anna Stephany, el tenor Christoph Strehl y el bajo Attila Jun.

Anton Bruckner (Ansfelden, Austria, 9 de septiembre de 1824 - Viena, 11 de octubre de 1896). Compositor y organista austriaco. Nació en un pequeño pueblo, en el norte del país. Devoto católico, sus estudios musicales se extendieron hasta la edad de 40 años, bajo la dirección de Simon Sechter y Otto Kitzler. Éste último lo introdujo al universo musical de Richard Wagner, que Bruckner estudió extensivamente desde 1863. Después de terminar sus estudios escribió su primera obra madura, la Misa en re menor.

En 1868 aceptó la posición de profesor de teoría de la música en el Conservatorio de Viena, momento a partir del que concentró la mayor parte de su energía en escribir sinfonías. Sin embargo, sus obras fueron mal recibidas, consideradas "salvajes" y "absurdas". Bruckner aceptó más adelante una posición en la Universidad de Viena en 1875, donde enseñó teoría de la música.Dentro del círculo de sus adeptos en la Universidad se encontraban Hugo Wolff y Gustav Mahler, en ese entonces aún estudiantes.

La escena musical vienesa estaba polarizada entre los partidarios del estilo musical de Richard Wagner y los que preferían la música de Johannes Brahms. Al dedicar a Wagner su Tercera Sinfonía, Bruckner se ubicó sin desearlo en uno de los dos bandos. El crítico musical Eduard Hanslick, líder de la opinión culta, escogió a Bruckner como blanco de su ira antiwagneriana al calificar esta sinfonía como "si la Novena de Beethoven y la Valkiria de Wagner se mezclaran, y la primera acabara pisoteada por los cascos de los caballos de la segunda".

A pesar de todo, Bruckner tenía partidarios, entre los que se contaban famosos directores de orquesta como Arthur Nikisch y Franz Schalk, que intentaban constantemente acercar su música al público. Con este buen propósito propusieron al maestro gran cantidad de modificaciones a sus obras para hacer su música más aceptable al público. El carácter retraído de Bruckner hizo que consintiera en realizar algunos cambios, aunque se cercioró de conservar sus manuscritos originales, seguro de su validez. Éstos fueron posteriormente legados a la Biblioteca Nacional de Viena.

Otra prueba de la confianza de Bruckner en su capacidad artística es el hecho que él a menudo comenzaba el trabajo en una nueva sinfonía pocos días después de acabar la anterior. Además de sus sinfonías, Bruckner escribió misas, motetes, y otras obras corales sacras.

Aunque Bruckner era un organista renombrado en su tiempo, impresionando a audiencias en Francia e Inglaterra con sus improvisaciones, no compuso ninguna obra importante para este instrumento. Sus sesiones de improvisación le proporcionaron a veces ideas que desarrollaría posteriormente en sus sinfonías.

El maestro se apaga en Viena el 11 de octubre de 1896. Sus restos reposan en la entrada de la iglesia de San Florian, justo debajo del gran órgano. Durante los trabajos para construir la cripta se descubreron 6 000 esqueletos procedentes de un campo de batalla de la época de los Hunos. De esta forma, los cráneos minuciosamente alineados parecen admirar, en un silencio absoluto e impresionante, a aquél que llamaron: el Menestrel de Dios.

Obra

Intentó construir la sinfonía sobre 3 temas. Su obra es fértil, sentimental y romántica. En los paises latinos su obra es poco conocida, pero en los países germánicos y en Norteamérica se le considera como uno de los mayores compositores de su tiempo.

Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809), compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista. Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.

Biografía esencial

Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de Viena (Austria), y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.

Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante diez años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".

Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.

Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.

Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.

Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.

Céline Dion

Céline Marie Claudette Dion es una vocalista canadiense, que ha vendido alrededor de 175 millones de álbumes en todo el mundo, siendo una de las solistas femeninas con más discos vendidos en la historia. Posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual.

Sus inicios

Céline Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una familia católica pobre en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá). Tenía una voz preciosa, que su madre se ocupó de animarla a usar. A los cinco años de edad ya actuaba para cualquiera que quisiera escucharla cantar.

En 1980, cuando tenía 12 años de edad, su hermano Michael grabó un casete con su voz y la llevó a un productor, René Angelil, que creyó tanto en su voz, que hipotecó su casa para ayudar a financiar su carrera. En 1981 publicaron su primer disco en francés (su lengua materna), La Voix du bon Dieu, lo que la convirtió rápidamente en una estrella en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la medalla de oro en el Festival Mundial de la Canción de Tokio (Japón).

Su carrera continuó progresando y, en 1987, produjo el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito. Colaborando con las compositoras suizas Atilla Şereftuğ y Nella Martinetti, Céline Dion fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988, cantando Ne partez pas sans moi. Su victoria en este concurso celebrado en Dublin, Irlanda, el 30 de abril de 1988, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now.

Muchos de los singles de éxito que siguieron durante los diez años posteriores If You Asked Me To, Water from the Moon, y Nothing Broken but My Heart) fueron escritos por Diane Warren, una compositora muy conocida por sus poderosas baladas. Sin embargo, finalmente, Céline Dion mostró su talento como compositora cuando colaboró en la creación de Don’t Save It All for Christmas Day para el álbum de navidad de 1998, These Are Special Times, y Treat Her Like a Lady en su álbum de 1997 Let’s Talk About Love.

A finales de 1993, Céline declaró por primera vez a su público que estaba enamorada de su manager, René Angelil. En la sección de dedicatorias de su tercer álbum en lengua inglesa, The Colour of My Love, Dion se refirió a Angelil como “el color de mi amor”. Finalmente se comprometieron y se casaron en 1994. La boda fue retransmitida por la televisión en Canadá consiguiendo una gran audiencia. La pareja tiene un hijo, René-Charles Angelil, nacido en enero de 2001.

En 1997, My Heart Will Go On —la canción del film Titanic— fue éxito de ventas con millones de copias vendidas y la hizo mundialmente famosa.

En el 2003, Céline Dion apareció en el noveno lugar de la lista Las 22 voces más grandes de MTV, que fue hecha por la votación del público por la conmemoración de los veinte años de MTV, donde escogieron los mejores vocalistas que aparecieron por MTV.

En el 2004 también apareció en el cuarto lugar de la lista “The 100 Outstanding Pop Vocalists” (los 100 vocalistas pop más importantes) de la revista Cove Magazing, debajo de Mariah Carey, Michael Jackson y Christina Aguilera.

Actualmente se considera que posee una de las mejores voces del mundo en la música popular actual, al igual que Christina Aguilera, Sarah Brightman, Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras.

Registro vocal

Céline Dion es mezzosoprano y su registro vocal es de dos octavas y una séptima:

* en el agudo: sib5 (a los 4 min. 5 s de la canción Nadie lo entiende, con Café Quijano)
* en el grave: re3 (a los 22 segundos de Nadie lo entiende y en la última nota (casi inaudible, por lo grave) de la escala descendente final de Let You Heart Decide (a los 2 min. 41 s).